Are You Sequenced?

Mario Schönwälder: Creando Sueños Electrónicos En Manikin Records

2010-12-21T17:41:00.005+01:00

¿Cuándo, como y por que nació Manikin? ¿Por que este nombre?
La marca Manikin nació un 4 de abril de 1992 en Berlín con la publicación de 4 cds.
Uno era mi álbum solista "Close By My Distence (1992)".
El nombre Manikin viene de un malentendido que tuve durante una llamada telefónica. Mi hija le gustó y traduje solo la palabra alemana "Mannchen" al inglés: "Manikin".

Empezaste haciendo música en solitario hasta que conociste a Detlef Keller. ¿Cómo cambió tu manera de hacer música al conocer a DK?
Mi estilo musical es la música tradicional electrónica, pero he cambiado a lo largo de los últimos 25 años. Nuevas influéncias, nuevos amigos, nuevos equipos, muchos cambios. Y tu puedes escucharlos.

¿Te gustan más las canciones largas o cortas? ¿Por qué? ¿Klaus Schulze o Tangerine Dream?
La mayoria de mis temas son largos. Me gustan las estructuras orgánicas, que crecen a lo largo de los minutos de una canción. Los temas cortos son posibles, pero mayoritariamente hechos como un puente entre temas largos.
Uuh, ¿KS o TD? Me gusta la música de ambos. Más en los 70 y principios de los 80. KS tiene mejor música en los 90 y en el cambio de milenio. Pero es mi opinión. Mucha gente le gusta la música de TD desde el 2000 pero no es mi gusto de música electrónica.

¿Cómo esta en la actualidad el mundo de la música electrónica clásica? ¿Cuántos discos tiene que vender un músico electrónico para poder vivir de la música? ¿Cuántos discos vende Manikin?

El panorama es pequeño pero todavia está vivo. Pienso que la gente comprende cuando nos movemos y viajamos entre los sonidos antiguos y el nuevo mundo del trance y el ambient.
Más de los que vendemos actualmente, pero la mísica no es nuestro principal trabajo.
Los suficientes para publicar nuevos trabajos durante los próximos años.

¿Cómo es tu manera de componer? ¿Qué te inspira? ¿Cuál es el mejor sitio para tocar en directo?
En directo tocamos mayoritariamente en iglésias. Me gusta su acústica. Pero en planetarios también nos gusta. Para cada lugar donde actuamos buscamos la música correcta. Hacer música es un proceso, tienes un nuevo sonido o una idea para una secuencia.
Hay mucha influencia en el mundo. Es difícil de decir que yo hago esto y lo otro. Es un movimiento. Algunos días yo trabajo 2 o 3 horas y no grabo nada. Otros dias toco en 50 minutos una canción de 25. ¡Eso es la vida!.
¡Gracias por tus preguntas, disfrutar de la música chicos!

Fotos: (c) Mario Schönwälder (en la primera foto el primero por la derecha)

.When was Manikin born? How? Why the name Manikin
The Manikin label was born at 4th April 1992 in Berlin with the release of four CDs.
One was my solo album "Close by my distence".
The name comes from a small paiting I´ve done during a telephon call. My daugther loves it and I translte only the german word "Männchen" into the english language: "Manikin".

.You started to make music on your own till you met DK. Did you style of make music change after that?
My music style is the traditional electronic music but I´ve moved during the last 25 years. New influences, new friends, new equipment. so many changes. And you can hear it :-)

.Do you like short or long songs? Why? Wich one do you prefer: Klaus Schulze or Tangerine Dream
Mostly my tracks a re longer. I like the organic structures, which grows over minutes in a track. Short tracks are possible, but mostly done as a bridge between longer tracks.
Uuh, KS or TD? I like the music from both. More in the seventies and early eigthies. KS has more good music in the nineties and in the millenium too. But this is my opinion. Many people like TDs music from the millenium too. But this is not my taste of electronic music.

.How is the actual world of the clasical electronic music in your words?
The scene is small but still alive. I think people understand, when we move and travel between old fashioned sounds and the new wold of trance and ambient.

.How many discs an electronic musician need to sell to live of his/her work as a musician?
More then we sell actual ;-) But music is not our main job.

.Aprox. how many discs does Manikin sell?
Enough to release more new stuff during the next years :-)

. Tell us about your way of compose music. What is your inspiration? What is the best place to play live music for you?
Live we play often in churches. I like the acoustic. But a planetary is also welcome. For each location we will find the right music.
Making music is a process. You have a new sound or an idea for a sequence. There are so many influence in the world.
It´s difficult to say I do it so and so. It´s a move. Some days I work tow or three hours and have nothing recorded. Next days I play in 50 minutes a 25 minutes track. That´s life!
Thanks you for your questions. Enjoy the music, guys!
Mario

Mark Knopfler: Cuando La Guitarra Habla (Santiago De Compostela 28_07_2010)

2010-08-02T10:48:00.010+02:00

Después de varias citas en otras ciudades españolas Mark Knopfler llegó a Santiago De Compostela como un peregrino que en vez de apoyarse en el Bordón (típico bastón) lo hizo en los mástiles de sus diferentes guitarras. El escenario, un no muy sonoro Multiusos Do Sar, ante casi unas diez mil personas donde predominaban gente madura y algún recién salido de la adolescencia. El músico escocés comenzó con temas de su carrera en solitario (fueron los que predominaron, sobre todo de su último disco Get Lucky) aunque pronto llegaron los grandes éxitos de la época de los Dire Straits con Romeo and Juliet y Sultans of Swing que tuvo una intro muy especial ya que la gente estaba gritando el "oeoeoe" y el guitarrista pronto sacó la nota y los siguió con los sonidos de sus cuerdas. Fue Sultans of Swing un tema muy esperado para entre cosas ver si los dedos de este hombre seguían con agilidad y cierto que sí por que el riff final fue apoteósico como así quedo demostrado gracias a la cámara que estaba colocada en el mástil de la guitarra y que permitía ver la velocidad vertiginosa a la que se movían.

Después siguieron otros clásicos como Brothers in Arms, Telegraph Road y So Far Away echandose de menos otros temas como Money for Nothing. Y como no, un músico tan grande no puede mas que ir acompañado de una gran banda donde (aparte de los dos únicos sobrevivientes de la época de los Dire Guy Fletcher y Danny Cummings) podríamos destacar al bajista y al violinista no por más calidad que sus otros compañeros sino por más protagonismo. Una gran noche con brindis de cerveza!!!

(c)Texto y Fotos: Manuel Lemos Muradás

El Programa De Radio VI: A Última Fronteira Celebra Su Programa 300 (19-12-2009)

2010-03-14T11:59:00.005+01:00

El Concierto XII: Rammstein Lisboa, 8 De Noviembre 2009

2009-12-17T13:22:00.006+01:00

"El pasado 8 de Noviembre, el grupo alemán Rammstein actuó en la ciudad de Lisboa, una ciudad con una gran historia detrás, con siglos en los que fue una potencia colonial y que ahora se ha caído rendida ante el poderío musical y visual de este grupo que llega de Alemania y que nos impone su estilo musical, su espectáculo visual, sus letras provocadores y una puesta en escena, no apta para corazones sensibles.

El lugar escogido para la ocasión fue el "Pabellón Atlántico", un lugar que ya me habían avisado que no destacaba especialmente por su acústica y que el transcurrir del concierto no hizo más que confirmarlo, un lugar donde el sonido rebota demasiado provocando algunas distorsiones y ecos poco agradables para el buen disfrute de un concierto, además, un lugar cerrado donde no se puede apreciar en todo su esplendor la pirotécnica que el grupo alemán pose siempre en escena.

El concierto comenzó con los guitarristas del grupo rompiendo un muro por el que se acabaron colando en el escenario y el cantante recortando una puerta en ese mismo muro para poder pasar al escenario, como no podía ser de otra manera, esta demostración de poder, dejaban ya a las claras lo que nos quieren mostrar en el escenario, todo su podría, su música arrolladora y atronadora. Los músicos eran los habituales, los dos guitarristas, el bajo, el batería, el cantante y como no, los teclados, ese músico showman que hace que los Rammstein no fueran lo mismo sino contaran con su participación.

Interpretaron sus clásicos temas y sobre todo, los del nuevo disco, no hay que olvidar que este concierto fue el primero de su gira de presentación del nuevo trabajo. Sobre el escenario, el amo sigue siendo su cantante, un hombre que muestra cara de pocos amigos, que algunos critican por ser poco comunicativo con los asistentes a sus conciertos, pero los seguidores de su música, sabemos como es, no puede ser de otra forma, sus gestos, su forma de dominar el escenario, esos movimientos que parecen realizados por alguien a punto de entrar en un manicomio... los guitarristas, fieles a su estilo, sobrios pero soberbios, con un manejo de las guitarras impresionante, el bajo como de costumbre, inmutable desde su posición, el batería espectacular, con una máquina perfectamente engrasada y los teclados... los teclados qué se puede decir de él, es un verdadero showman, incluso se paso parte del concierto tocando encima de una cinta andadora.

A nivel visual, nos encontramos con fuego, aunque menos que en otras ocasiones, aunque sigue quemando las cejas de Loos que se encuentran en las primeras filas, aunque he echado de menos las guitarras y micrófonos ardiendo como en alguna otra ocasión, mucha pirotecnia, la inclusión de un nuevo elemento como fueron unos muñecos con haces de luz láser que parecía un grupo de asalto de algún comando especial que acabaron, pues como pueden acabar en un concierto de Rammstein, un bañera donde se tortura al de "siempre" y un elemento qué hace referencia a su primer single de este nuevo trabajo, "pussy" que no vamos a comentar ahora para no desvelar demasiadas cosas.

La verdad, que narrar 1.45 de música en unas líneas es muy complicado, solo decir que es una pena que un concierto como este, no se haya desarrollado en un lugar más espectacular, más acorde con la puesta en escena de este grupo, pero no se puede negar, que son todo un espectáculo música y visual y que merece la pena verlos en directo, es una experiencia inolvidable."

Texto: Roberto Vales (Equipo A Última Fronteira)
Fotos: Marcos Iglesias

Fuxan Os Ventos: Folk Tradicional Contemporáneo

2009-10-17T10:29:00.004+02:00

Desde el año 2.002 no publicasteis ningún disco hasta ahora. ¿Por qué este silencio tan largo?

En realidad el silencio es desde el 90. Fuxan deja de actuar desde finales del 89 a principios del 90. Hicimos la última actuación en un festival de música tradicional en Segovia. Decidimos dejarlo por varias razones. La principal era que el ser tantas personas en un grupo dificulta notablemente el juntarte para trabajar. Además nos encontrábamos en un momento de nuestra vida donde todos nosotros teníamos otro tipo de responsabilidades. Si a esto le sumamos que cada uno de nosotros vivíamos en un sitio diferente de Galicia y, por otro lado, éramos conscientes de que estábamos en un momento de la música gallega que una de dos, o haces música nueva y de calidad o sino no pintas nada, finalmente decidimos poner un punto y final. Aún así, seguimos en contacto y decidimos que cuando pudiésemos haríamos cosas y en el 98 sacamos un disco después de ese final y en el 2.002 publicamos otro. También hicimos alguna que otra actuación en directo.

Entonces... ¿En qué condiciones llega este trabajo, que además se presenta en Cd, Dvd y libro?

Nosotros siempre nos quedamos con las ganas de seguir haciendo algo más. En el verano del 2007 nos llamaron para hacer una pequeña actuación en el Festival de Guitiriz, en Lugo. Querían que fuéramos a dar el pregón, pero al final preparamos 12 canciones, y las cantamos todas allí. Fue un éxito, y salimos muy contentos, porque llevábamos mucho tiempo sin actuar y sonó todo muy bien aunque llevábamos tiempo sin ensayar. Ese mismo día una Productora nos presentó un proyecto, que significaba la vuelta de Fuxan os Ventos. Estuvimos pensando en ello y dando forma al esbozo inicial, ya que aceptar el proyecto significaba entrar de nuevo en una dinámica de trabajo total. Concluimos que sí, en septiembre del 2007 nos propusimos un plan de trabajo y pasados unos 6 meses empezamos a trabajar con la banda y a ensayar con los colaboradores.

¿Y cómo fue la grabación, que se hizo en vuestras dos actuaciones en el Auditorio de Galicia de Santiago de Compostela?

Nosotros sabíamos que se estaba grabando, pero para nosotros fue simplemente un recital en directo. Fueron dos días porque nosotros, en principio, nos habíamos propuesto que sólo haríamos esos conciertos y de ahí saldría la grabación en Cd y en Dvd. Pero, a medida que se iba acercando el día de la actuación, nos empezaron a comentar desde la productora que había que hacer algo más, porque todo estaba saliendo de maravilla, y nosotros empezamos a auto-convencernos de ello, sobre todo por que en el Auditorio de Galicia no quedaba ni una sola entrada 10 días antes de la actuación y había mucha expectación. El concierto, que era una recopilación de temas de siempre que seleccionamos nosotros, se grabó y después se emitió por la televisión de Galicia, fue muy emotivo y emocionante y había tantas ganas entre el público y entre nosotros que nos planteamos que el proyecto fuese más allá.

Háblanos de las colaboración de artistas como Uxía, Mercedes Peón, Rodrigo Romaní...

En el proyecto inicial que se nos había presentado, no aparecían aún los nombres, pero estaba prevista la colaboración con artistas que estuviesen dentro de la actualidad musical. Después nos hicieron una propuesta. Nosotros tuvimos interés en que apareciese alguien de Milladoiro, porque comenzaron a la vez que nosotros pero siguen todavía en la brecha. Teníamos un poco de miedo, no por colaborar con ellos, si no a que ellos quisieran colaborar con Fuxan os Ventos, pero nos llevamos una gran sorpresa, porque en cuanto se le propuso el proyecto a cada uno de ellos, en ningún momento dudaron. Todos ellos son unos grandes profesionales, las colaboraciones resultaron fáciles, incluso con muy poco ensayo por parte de los colaboradores, lo cual dice mucho a favor de ellos, aunque evidentemente tenían la música, la letra, las partituras... La experiencia para nosotros fue maravillosa y para ellos, por lo que nos transmiten, creo que también lo fue.

Queríamos destacar una colaboración específica, la de Nova Galega de Danza, que imaginamos que dió una imagen muy especial al espectáculo...

Tengo que reconocer que cuando se presentó la posibilidad de esa colaboración, algunos miembros del grupo no lo veían, pero, aunque Fuxan es un grupo de Folk Tradicional, siempre estuvimos a favor de que la música se adecue a los tiempos, para no quedarse anquilosada, lo que no significa que tenga que desaparecer la manera tradicional de hacer las cosas. Nova Galega de Danza nos pareció una evolución maravillosa del baile gallego. Como es un grupo grande, trabajamos de maravilla en su formato de dos personas.

Son 20 temas en el Cd, 28 en el Dvd. ¿Están todos los que son o son todos los que están?

Están todos lo que cogen. La selección previa era de 36 temas, que se iban a 3 horas de actuación. Al final, hubo que empezar a quitar canciones y tuvimos un problema tremendo. Llegamos a hacer votaciones entre nosotros. En el Cd no cogían todos los temas de la actuación, e hicimos una selección de las que más encajaban y el resto aparecieron en el Dvd. De hecho el tema Sementeira no está en el Cd. La mayoría de las canciones tienen arreglos especiales o se tocan con instrumentos que no se usaron en los originales. Estaba programado que Sementeira la íbamos a tocar todos juntos, de modo que la grabación de Sementeira es un caos, se puede incluso ver en el dvd. De hecho quisimos que fuese así, yo presento la canción, se acercan la banda y todos los colaboradores, usando cada micrófono para varias voces, e incluso invitamos a que el público cantase. Pero nos gustaba más eso que no que quedase mejor para aparecer en el Cd.

Adelanto De La Entrevista Que Jorge Sergio Y Yo Mantuvimos Con Tereixa (Una De Las Fundadoras) Y Que Pronto Podeis Leer Al Completo En Las Revistas Ritmos Del Mundo E Interfolk.

El Concierto XI: Leonard Cohen Auditorio Parque De Castrelos, Vigo Jueves 13 De Agosto 2.009

2009-09-14T12:56:00.003+02:00

Escuchar a Leonard Cohen es una relajación. Comienza sus conciertos puntualmente (todo un detalle hoy en dia) y su música mezcla de pop, country, blues y, sobre todo, jazz te conducen alma y cuerpo a una pausa de la que no quieres salir nunca, y eso que el cantautor canadiense te lo pone fácil por que sus conciertos duran casi tres horas. Ayer la noche de Vigo era perfecta para escuchar la caracteristica voz de este hombre de casi 75 años que sigue en plena forma. En casi todas las canciones se puso de rodillas no se si para demostrar que aunque la vida le ha dado momentos malos él sabe perfectamente que ha tenido otros muy buenos o si desde que a abrazado la cultura budista se encuentra ante otra manera de ver la vida, de arrodillarse ante ella. El Show se dividió en dos partes con un pequeño descanso después de la poco más de primera hora de actuación. Todo el plantel de canciones de Leonard Cohen son ya unos clásicos pero aquellas por las que será recordado siempre (Suzanne, Hallelujah, So Long Marianne…) las dejó para la segunda parte. El sonido fue impecable y es que el plantel de músicos que lo acompañan son unos majestuosos de sus instrumentos (casi todos tocaban varios) destacando el guitarrista de Barcelona Javier Mas que se marcó un solo al más puro estilo Paco De Lucia. Leonard Cohen está en un momento de su vida de pura y total bondad. Al finalizar cada parte del concierto presentaba a sus músicos y cuando finalizaba cada canción se sacaba el sombrero para darle gracias a ellos y al público que llenaba (más de 25.000 personas) tan precioso marco. Hoy habló el poeta.

(c) Manuel Lemos Muradás

Foto: (c) Manuel Lemos Muradás. Faltaban Dos Horas Para Entrar Y Ya Habia Esta Cola.

El Concierto X: The Pink Tones (Sala Capitol. Santiago De Compostela. 13-03-2009)

2009-03-16T08:43:00.005+01:00

"Si este hombre toca a si de bien la guitarra no quiero imaginarme como lo tiene que hacer David Gilmour" Estas palabras fueron las que exclamé una vez terminado el concierto de casi tres horas de duración de esta banda tributo a Pink Floyd. Ese hombre se llama Alvaro y es hipnotizante (bajo ninguna sustancia) ver como mima y retuerce su guitarra clavando los distintos temas del grupo inglés. Además está acompañado por otros cuatro músicos que interpretan magistralmente clásicos como "Shine Of You Crazy Diamond", "Money", "Wish You Were Here" (el tema más dificil de versionear segun el propio Alvaro por la carga de sentimiento que lleva la original) y muchas más abarcando todas las épocas de la mítica banda. The Pink Tones pone además en marcha todo un arsenal de luz, laser y otras sorpresas que por momentos nos trasladan a uno de esos escenarios míticos de Pink Floyd. Tan bueno es el espectáculo que incluso los acompañan un coro de tres chicas que aún, si cabe, enriquecen más el show.

(c) Texto Y Fotos: Manuel Lemos Muradás.

Iris Dee Jay: Electrónica Moderna Inteligente

2008-12-11T20:22:00.006+01:00

INICIOS

Empecé a producir en 1999 cuando me puse en contacto con la informática musical. Me inicié con los viejos trackers y, tan sólo unas semanas después, descubrí los secuenciadores. Ahí me quedé hasta hoy.
En el 2005 me planteé iniciarme como dj debido a que era la mejor manera de promocionar mi música. Aprendí con un controlador midi muy económico y luego me compré un equipo más profesional.

ESTILO

Hoy en día estoy trabajando, sobre todo, con el electro-trance y trance en general. En el 99 me dedicaba al eurodance, incluso a la música pop. Luego me volqué en una música más seria y fue cuando me pasé al trance.

MÚSICA

Pues, en relación a la música, te podría contar muchas cosas. A estas alturas de la vida pasé por muchas discográfica y conocí muchos ambientes. Primero estuve en un pequeño sello de Vigo. Después me pasé a la discográfica inglesa Deepblue Records, donde publiqué en vinilo. Posteriormente vino la era digital y me metí en sellos independientes como Total Wipes y Ocean Drive (con la que sigo ahora). Mi último gran paso lo di en la Bonzai Music, que es una discográfica belga de música trance bastante reconocida.
Así mismo, he trabajado con muchísimos cantantes de todo el mundo: Albert Sanz (Cataluña) WaveScape (Canadá), Joss Ronah (España), Jay Sadhuani (España), Brett (Canadá), Jaana Palonen (Finlandia) y, actualmente, estoy con proyectos de Jon Davidson (USA) y Lillia-N (Holanda).

PAPEL DE LAS MUJERES EN ESTE ESTILO DE MÚSICA

Sinceramente hablando, me gustaría que lo cambiaran un poco dado que sigue habiendo muy pocas productoras y muchas djs que no ofrecen música precisamente; sólo una imagen. Mi objetivo de cara al público es ofrecer un gran espectáculo musical donde la gente se pegue a los altavoces de la discoteca, y no a la cabina donde está la dj, jeje.

DJS PREFERIDOS

¡Buff! Pues no sabría qué decirte ya que tampoco tengo preferencia por alguno en particular. Me gustan mucho Solarstone, Sean Tyas tampoco lo hace mal aunque tiene de todo, DJ Airwave... Estoy escuchando continuamente a diferentes artistas. Necesito aprender de todos, incluso de estilos no relacionados con la electrónica. Ya no es el primero que me encuentra escuchando heavy-metal, jaja :-)

+Info Aqui

El Programa De Radio V: A Última Fronteira Celebra Su Programa 250 (22-11-2008)

2008-11-27T18:56:00.007+01:00

El Tema Musical V: Island Of Light De Roger Subirana

2008-11-19T14:38:00.002+01:00

"Tema que compuse durante la creación de mi último cd “Point of no return (2008)”. Hay varias formas de componer, una de las cuales consiste en transcribir musicalmente un estado de ánimo que estás viviendo en ese momento. La otra consiste precisamente en lo contrario, crear algo de forma expresa para conseguir crear un sentimiento mediante la música.

En esta ocasión, antes de empezar la elaboración del tema, me plantee lo que quería conseguir. El objetivo fue crear una isla de luz (metafórica o musicalmente hablando) donde podamos ir siempre que queramos y que en ella, nuestros miedos y sufrimientos desaparezcan, para dar a nuestra alma un respiro embriagador de bienestar y felicidad...

Debía surgir algo que aportara tranquilidad al escucharlo, con un punto sensible, profundo pero sin llegar a convertirse en una canción romántica.

Muchas veces me pongo a componer por pistas directamente. És decir, como si fuera confeccionando una tela de araña empezando todos los hilos a la vez, hasta finalizarla. Pero en este caso me puse simplemente a tocar el piano a ver que salía, hasta que encontré lo que estaba buscando. Luego grabé sólo una pista de piano manualmente, sin programaciones, como si se tratara de un tema en directo de piano solo. De esta forma podía transmitir el máximo de humanidad y sensibilidad. El paso siguiente fue añadir el resto de instrumentación y arreglos para que acompañaran el piano."Roger Subirana

El Concierto IX: The Ceremony Of Innocence En El E-live 2008

2008-11-10T21:51:00.007+01:00

"The Ceremony of Innocence es el grupo que Mark Jenkins presentó en el festival de E-live en Einhoven Holanda el 11 de Octubre del 2008.

El grupo esta formado por 4 grandes artistas de la música electrónica: David Vorhaus (White Noise) en el Kaleidophon, Mark Jenkins en los sintetizadores,

Alquimia en la voz y los sintetizadores, Y el legendario Arthur Brown en la voz.

El grupo presentó una mezcla de temas pertenecientes a los discos de White Noise 1,2,3,4,& 5 con David Vorhaus quien fue el inventor del Kaleidophon

acompañado de Mark Jenkins en los sintetizadores y de Alquimia y Arthur Brown en la voz.

Despues Alquimia presentó un solo de voces que fueron metamorfoseandose desde los sonidos guturales procesados con delays, hasta cantos con armonias

creando capas de voces que se convirtieron en coros misticos e hipnóticos.

Finalmente el grupo presento algunos de los grandes temas

del legendario Arthur Brown como "The Ceremony Of Innocence",con poemas en la fuerte y grave voz de Arthur,

que resonó acompañado con improvisaciones de voz de Alquimia, y los sonidos electrónicos de David Vorhaus y Mark Jenkins.

El grupo continuó con otros de los viejos temas famosos de Arthur como "Kites" y el viejo hit mundial "Fire" que cerro el concierto con gran ovación y un largo

aplauso de "encore" por parte del público." Alquimia

El Tema Musical IV: Then There Was You De Chris Nickel

2008-09-15T12:14:00.003+02:00

"Then There Was You" fue compuesta en el 2006 especialmente para mi álbum Horizons.

La canción es un reflejo de algunos acontecimientos personales que ocurrieron en mi vida en aquel momento. Queria expresar un conjunto de sentimientos de profunda emoción, de pérdida, de amor, pero también de esperanza, que emana de encontrar un nuevo camino en la vida, que siempre ocurre cuando hacemos frente a grandes cambios y pérdidas.
"The There Was You" sigue un formato de canción extendida, con una estructura en verso y coral. Esto permite tener una gran accesibilidad a la canción convergiendo su emoción en un amplio estilo sinfónico.
No me llevó mucho tiempo componer la canción, en parte debido a su formato, pero también debido a la claridad de la emoción que sentía en aquel momento. Intenté no añadir mucho más, y realmente queria capturar la pureza del sentimiento en aquel momento, y mantenerlo libre de otras ideas que uno siempre añade después de que compone.
Pienso que en la vida hay una poesia subyacente/sutil a nuestra existencia, siempre encontrando una paradoja de belleza mezclada con tragedia.
"Then There Was You" lo refleja. Al final del dia, es una canción de amor, un poema musical a un amor perdido pero tambien un poema sobre la tolerancia que encontramos en nosotros mismos, la belleza, paz y claridad que a veces se encuentra dentro del momento trágico.
Quiero dar las gracias a la Filarmónica de Praga por su exquisita interpretación de esta canción. Espero algún dia pronto poner letra a esta canción, y publicar de nuevo el tema como una canción (con letra), pero hasta ese momento, seguira siendo un trabajo orquestal." Chris Nickel

El Concierto VIII: 2 Edición VigoFolk (Agosto 2008)

2008-08-18T10:45:00.007+02:00

Era muy esperado el cartel de la segunda edición del VigoFolk, sobretodo para comprobar si seguiria la calidad de la edición del año pasado. Y la verdad es que en este caso el dicho de que segundas partes no son buenas quedó para el cine. No empezaba bien este VigoFolk, pero ante la naturaleza poco se puede hacer, y los conciertos del lunes 11 tuvieron que suspenderse por que llovia a mares. Los protagonistas de ese dia eran Milladoiro y Paul Winter. En el segundo dia (Martes 12) la cosa cambió y los alli presentes pudimos disfrutar de dos de los músicos folk más en forma actualmente en nuestro país: Xosé Manuel Budiño y Kepa Junkera (que proximamente publicará nuevo disco). Pero quiero destacar el tercer y último dia del festival (domingo 17) con nada menos y nada más que el director de cine balcánico Emir Kusturica y su No Smoking Orchestra que ante un lleno absoluto (el festival transcurre en el mítico Parque De Castrelos) ofreció su particular fusión de rock World Music interpretando temas de algunas de sus películas, incluida su más conocida obra (premiada en Cannes) El Tiempo De Los Gitanos. Rodeado de un puñado de músicos (Percusiones, Saxo, Acordeón...) en todo momento saltarín y fausto sus mezclas de funk, folk gitano, rock...hicieron bailar a un público que se temio lo peor con la lluvia que hizo presencia con las primeras notas de este proyecto y que pronto se retiró dejando a los presentes disfrutar de un espectáculo atronador. Antes pudimos disfrutar de la, también, folk fusión del grupo de casa Crema De Gaita que con su mezcla de instrumentos tradicionales (Gaita) con otros más pop/rock (guitarra y bajo eléctrico) y otros más neoclásicos (clarinete) mostraron que la escena gallega sigue con ideas muy válidas. También quiero dar las gracias a Nuria, la relaciones hacia la prensa y a la organización en su total por que en todo momento nos ofrecieron facilidades y comodidades a la hora de realizar nuestro trabajo.

Fotos: Manuel Lemos Muradás

Instrumentos Tradicionales IV: El Theremin (Por Victor Estrada Mañas)

2008-08-11T16:23:00.008+02:00

Presentación
En 1920 se presentó en Rusia el más innovador y extraño instrumento electrónico de la historia musical, el theremin. Su inventor, Leo Theremin, lo concibió como una evolución natural de los instrumentos clásicos utilizando la tecnología eléctrica del recién nacido siglo XX. Desde entonces, este instrumento ha sido utilizado por importantes compositores de música clásica, bandas sonoras y música moderna.

El instrumento

Pertenece a la familia de los electrófonos (el sonido se genera mediante circuitos eléctricos). Es único en su forma de ser interpretado, ya que el músico no toca físicamente el instrumento. El intérprete, con el cuerpo, manos y dedos, controla, en el aire, los campos electromagnéticos que generan las antenas del theremin. Con la antena vertical controlamos las diferentes alturas tonales del sonido y con la horizontal su volumen y ataque.

Aunque el theremin es un instrumento electrónico, y utiliza amplificador y altavoces para sonar, su timbre se podría denominar como orgánico (no artificial), a diferencia de otros instrumentos electrófonos.

Su sonido puede llegar a recordar el timbre de una voz humana femenina, un violín o incluso un violonchelo según la técnica, recursos interpretativos y tesitura que utilice el thereminista.

A parte de melodías, también se pueden conseguir sorprendentes sonidos y efectos, imposibles con otros instrumentos musicales.

Un poco de historia

En la Rusia Leninista de principios del siglo XX, el científico y músico Lev Termen (Leo Theremin), quiso dar un paso más en la evolución y concepto de los instrumentos musicales. Él veía muy primitivo tener que soplar, golpear o apretar cuerdas para poder hacer música. Así, aprovechando sus conocimientos en electricidad y física, ideó un instrumento el cual no se tocara como los demás, sino controlando en el aire invisibles ondas electromagnéticas. De esta forma, en 1920, presentó su invento que él llamó “Eterófono”, más tarde llamado “theremin” en su honor.

Los primeros “thereministas”

Aunque el instrumento se inventó en Rusia, poco después se exportó a EEUU, y allí es donde se fabricó en serie y se comercializó. Aunque el instrumento atraía mucho a los músicos de la época por su novedad, el problema era... ¡¿cómo tocarlo?! Al ser un instrumento tan innovador se tenía que desarrollar una técnica igual de innovadora, la encargada fue la violinista Rusa “Clara Reisenberg” (Clara Rockmore). Ella inventó en los años 30 lo que que bautizó como digitación aérea. Un método de tocar en el aire pero de una forma muy controlada. Ella se convirtió en la primera intérprete y virtuosa de la historia de la música electrónica. La gran dificultad del instrumento, y la falta de profesores, hizo que antiguamente no hubieran muchos intérpretes, pero gracias al cine de Hollywood, se mantuvo el interés del instrumento hasta nuestros días. El thereminista americano Samuel Hoffman fue el encargado de tocar en numerosas películas. Destacando las de extraterrestres, monstruos y demás seres extraños de los años 40 y 50, gracias a los sonidos de ciencia-ficción que se podían sacar del theremin.

Actualmente hay muchos músicos que lo utilizan en música clásica, jazz, bandas sonoras, música moderna, etc. Algunos de los mejores intérpretes actuales son Lydia Kavina, Pamelia Kurstin, Peter Pringle y Masami Takeuchi.

Técnicas de ejecución

Hay que saber utilizar correctamente las dos antenas del theremin para poder interpretar melodías con él. Éstas emiten un invisible campo electromagnético que el intérprete debe controlar mediante movimientos del cuerpo, las dos manos y los dedos: “control espacial”.

La antena horizontal controla el volumen, ataque y fraseo de las notas. Cuando la mano está muy cerca, el instrumento no suena, y al ir levantándola, éste va aumentando de volumen. Las diferentes alturas de las notas (do, re, mi, fa...) se controlan con la antena vertical. Cuanto más nos aproximamos a ella, más agudos los sonidos, cuanto más nos alejamos, más graves. Mediante la digitación aérea podremos hacer los intervalos entre las notas de una forma controlada.

Más Info Sobre Victor Estrada Aqui

El Concierto VII: Loreena McKennitt y las Campanas De Santiago De Compostela

2008-08-04T10:38:00.005+02:00

El pasado día 30 de julio se celebró en la ciudad de Santiago de Compostela, en un ilustre lugar como la Praza da Quintana, la actuación de la artista canadiense Loreena McKennitt, una mujer que siempre ha destacado por su maravillosa voz, una de las mejores representantes de la música celta y que en directo no deja indiferente a nadie.

Pasaba de las diez y media de la noche y con amenaza de lluvia, aunque esta se difuminó una vez que la cantante subió al escenario y es que la magia del lugar y de la música impregnó el lugar de una sensación especial. El recinto se encontraba prácticamente lleno, con espectadores llegados de diversos lugares del mundo (la actuación de Loreena se encuadra en la Semana Grande de las fiestas de Santiago) y con ánimo de escuchar la grandiosa voz de esta diva que comenzó haciendo por bandera la música celta y que ahora ha impregnado su música de los sabores de las diferentes culturas de nuestro planeta, guardando un lugar muy especial para España y los países árabes.

Los temas interpretados pertenecen principalmente a su último trabajo titulado “An Ancient Muse”, pero no pudo dejar de lado sus clásicos temas entre los cuales se encontraba, como no podía ser de otra manera, “Santiago” un tema dedicado a la ciudad compostelana y contenido en su disco “The Mask and The Mirror”. Santiago es una ciudad muy especial y en un concierto tan especial como este, ni la propia Catedral pudo dejar de asomarse a la fiesta con sus clásicas campanadas que marcando las correspondientes horas se sumaban al espectáculo que presentaba sobre el escenario Loreena y que esta, mostrando un grato sentido del humor, hizo también partícipe del espectáculo, dando su agradecimiento al final del concierto.

Sin lugar a dudas, el espectáculo está creado para mostrar y engrandecer la figura de Loreena McKennitt, pero no podemos dejar de lado al excelente grupo de músicos que la acompañan en sus actuaciones y que nos dejaron algunos momentos inolvidables como el “duelo” que mantuvieron Brian Hughes (Guitarra eléctrica y acústica, Bouzouki celta, Laud) y Zoltan Lantos (Violín), espectacular la imagen en la cual el violín de Zoltan Lantos parecía echar humo. El total de músicos que acompañan a la artista canadiense es de nueve y la relación completa es:

Clive Deamer (Tambores)
Simon Edwards (Bajo y Marímbula)
Ben Grossman (Zanfona y Percusión)
Brian Hughes (Guitarra eléctrica y acústica, Bouzouki celta, Laud)
Zoltan Lantos (Violín)
Caroline Lavelle (Chelo)
Rick Lazar (Percusión)
Stratis Psaradellis (Lira, Laud griego)
Donald Quan (Viola, Teclado, Mesa, Acordeón)

La verdad, asistir a un concierto de Loreena McKennitt y en un lugar como Santiago de Compostela es una experiencia inolvidable, esperemos que muy pronto se vuelva a repetir.

La Parte negativa llega de la mano de la organización. Cuando nos dirijimos a recoger nuestras acreditaciones a la taquilla nos dijeron que alli no era, que teníamos que ir al teatro de CaixaGalicia, y alli nos dijeron que tampoco era y nos devolvieron a las taquillas y, sí, era alli, asi que no se por que tantas vueltas. En fin…

Una vez empezado el concierto la gente de la prensa solo podíamos sacar fotos durante las dos primeras canciones (el público ni eso amenazándolos con parar y suspender el concierto). Somos personas y atendemos a órdenes por lo que con decirnoslo ya llegaba y no hacia falta que un guardia de seguridad saliese como un poseso a recojernos como si fuésemos terroristas. ¿De quién es la culpa de todo esto? ¿De la productora de la cantante canadiense? (Que por cierto, nuestro colaborador Jorge Sergio pudo charlar con ella unos minutos y confirmó lo que ya sabíamos: que es una persona maravillosa) o ¿De CaixaGalicia? Yo creo que de los dos…¡Qué triste!

Texto: Roberto Vales Fdez & Manuel Lemos Muradás

Fotos: Manuel Lemos Muradás

Rueda De Prensa Presentación Music Of The Spheres De Mike Oldfield, 06-03-2008

2008-07-23T09:50:00.003+02:00

*Por Anselmo García López, Enviado Especial De A Última Fronteira

Pregunta: ¿De quién surgió la idea de presentar Music of the Spheres en Bilbao?
Mike: No fue una elección mía, sino de la oficina española de mi sello: Universal Classics & Jazz. Aunque tengo una gran conexión, por otro lado, con el País Vasco y también con el Guggenheim. Me identifico con lo que representa. La verdad es que tengo la impresión de que me ha estado persiguiendo: en Nueva York fue la primera galería de arte que visité. Siempre ha existido una conexión muy especial entre mi música y la vasca.

Pregunta: ¿Por qué ha hecho un disco tan sinfónico después de tanta electrónica?
Mike: El rock es cada vez más repetitivo y la electrónica es un juguete aburrido. La música clásica ofrece más posibilidades porque está llena de matices y de texturas.

Pregunta: ¿Cómo se ha entrenado para pasar de tocar la guitarra eléctrica a la española para este nuevo disco?
Soy autodidacta y guitarrista. Estoy muy cómo con cualquier guitarra. Es necesario tener destrezas especiales para tocar la guitarra española. Me encanta este instrumento, lo adoro. Todo lo que tiene cuerdas me encanta.

Pregunta mia: A lo largo de su carrera sólo nos encontramos con un directo editado oficialmente. ¿Tiene pensado editar este tipo de material?
Mike Oldfield: El concierto se grabará y se publicara en i-tunes la semana próxima.

Iñaki Moreno: Este concierto se grabará. No es un concierto con público propiamente dicho. Es un proyecto especial para su grabación y edición posterior.

Pregunta: Usted tocó aquí en "La Casilla" hace unos cuantos años, y se dice que ese sitio tenía mala acústica hasta que llegó Mike Oldfield. ¿Cómo consigue el sonido de los directos?
Mike: Siempre he cuidado mucho la calidad del directo. Me gusta tocar con el volumen bajo, así es como hay que tocar. El volumen alto distorsiona. El viernes tocaremos todo acústico, "al aire", sólo habrá un micrófono: el de mi guitarra. Va a ser un experimento precioso.

Pregunta: Usted que tiene una auténtica legión de seguidores que le siguen incansablemente, y puesto que este concierto no está pensado para ellos, sino para gente con invitaciones, ¿podría pensar en alguna gira para que los fans pudieran verle en directo?
Mike: Depende de cómo quede mañana. Es sencillo representar la partitura del disco con orquestas locales, como por ejemplo, en Madrid o Barcelona.

Pregunta: [Sobre el piano con el que compuso Tubular Bells]
Mike: Esas notitas las saqué del piano de pared mi abuela, uno de esos que se usaban en los bares. Me hizo mucha ilusión ver el mismo piano, aunque no estaba en los mismo estudios de Abbey Road.

Pregunta: [Sobre el por qué de Music of the Spheres y qué surge antes, si la música o el título.]
Mike: La música, siempre antes. El título de mis discos es lo de menos, podría haberlo llamado 24 [es su 24º disco en el mercado]. Es una idea que me viene de cuando era adolescente y pensaba en la música como algo global. Podría no haber tenido título, pero hay que buscar un concepto que dé pistas y referencias al oyente. Así que busqué la conexión con la antigua teoría de la música planetaria.

Pregunta: ¿Qué tipo de música le sugiere Bilbao?
Mike: [Dubitativo]. No entiendo la pregunta. [Repiten la pregunta]. Los conciertos que he hecho aquí sonaron muy bien, pero... Musicalmente no me inspira nada en especial. No entiendo la pregunta.

Pregunta: [Sobre el hecho de que sea la primera vez que no usa la guitarra eléctrica en un disco.]
Mike: Cuando recibí las orquestaciones de Karl Jenkins, probé con ella, pero no funcionaba, no era apropiada para un disco clásico. Así que recurrí a la Ramírez, que tiene una sonoridad maravillosa. No ha supuesto ningún problema. Me siento muy cómodo con cualquier instrumento de cuerda.

Pregunta: [Sobre las subastas de sus instrumentos y la posibilidad de que indiquen un nuevo enfoque en su vida o incluso la jubilación]
Mike: Sí, pensé en jubilarme. Es mi 24º disco y llevo 35 años en la música. He hecho mucha música y ya no es mi prioridad. La música ya no es tan importante en mi vida. Tengo otras distracciones, como el mar. Tengo un yate, y me encanta el mundo del mar, las olas, los océanos. Tengo barcos en Mallorca y paso mucho tiempo allí. Esa podría ser la inspiración para el futuro.

Pregunta: ¿Cuántos ensayos ha habido del concierto?
Iñaki: Sólo ha habido un ensayo con toda la orquesta y Mike presente.

Pregunta: ¿Por qué se ha elegido la voz femenina para el coro?
Mike: Yo quería alguna voz masculina. De pequeño yo era miembro del coro de mi colegio. Sin embargo, Karl Jenkins me aconsejó que por el timbre era mejor usar voces femeninas.

*Iñaki Moreno: Director Coral De Bilbao

Ultimae Records: Música Panorámica Para Gente Panorámica

2008-07-14T23:28:00.006+02:00

¿Quiénes son Ultimae?

Ultimae somos Sandrine Gryson también conocida con el nombre de Sunny o Mahian y Vicente Villuis o AES Dana, managers del sello, Dj, compositores, directores artísticos, diseñadores gráficos… Además del corazón y la cabeza pensante, el equipo se compone también por Sarah Andersen que se ocupa del envío de los paquetes a todos los clientes, directores y distribuidores además de licencias y sincronizaciones, Gyl Sansamat para el mantenimiento de la Web y Huby Sea para la masterización.

¿Cómo nació el proyecto Ultimae?

El sello nació ya bien entrado el año 2000. Vincent y yo nos encontramos a finales de Enero del 2000, el había comenzado a trabajar en la salida del disco d’ASURA – Code Eternity que salió en el mes de Abril. En esa época el sello se llamaba Infinium Records pero nos vimos obligados a cambiar el nombre por el ataque del grupo Infinium, una sociedad americana que hace logos. Nosotros tuvimos la página offline, partimos a tocar a Canadá con nuestro saco de viaje los diccionarios de latín y entretanto nos relanzamos la historia sobre el nombre de Ultimae. Este nombre proviene de Ultimae Terrae que viene a significar como las tierras más lejanas. El sello estaba listo y hemos creado un portal para todos los amantes del ambient.

¿Qué hacéis con este proyecto?

Ultimae es sobre todo un sello de producción discográfica, pero es también un lugar de encuentro y de información sobre el ambient en general y de otros aspectos que nosotros tocamos como el respecto al medioambiente, el diseño, la herboristería… Para nosotros el ambient es más que un estilo de música, es un estado del espíritu. Ultimae es también una tienda en línea , todos los días nosotros enviamos los paquetes para todas partes del mundo, nuestros discos y también las producciones de otros sellos que nosotros distribuimos.

También tenemos nuestra propia tienda digital con la posibilidad de descargar los temas por unidad o el disco completo en formatos diferentes.

¿Cúal es vuestra opinión sobre la escena musical actual?

La escena musical? Que pregunta más amplia!! Como siempre, hay mucha mierda que sale de los grandes y que aparece en todos los canales de la tele y de las radios comerciales. Afortunadamente, uno tiene la oportunidad de buscar y en dos golpes de click con el ratón en la web se puede encontrar caviar para los oídos. Para lo que es el debate sobre la piratería, la bajada de ventas de discos… las grandes discográficas lloran porque ellos no pueden ganar esas cantidades con los derechos de los artistas… es triste!!! La piratería siempre ha existido, y se ha convertido en extremo y es dañino. En el 2000 yo descubrí Napster, ohlala, yo pasé horas a recuperar todos los temas que me gustaban. Después me he dado de cuenta que esto no servía para nada, que no tenía ningún placer a ver esta música, que me ocupaba mucho espacio en el disco duro y no servía para nada. Cada individuo debe reflexionar sobre sus acciones. Personalmente, yo no descargo nada, yo tengo algunos cd grabados que me han dado los artistas.

Para lo que es la escena ambient, se abre a numerosas influencias y eso es bueno, ella se convierte en un escenario de pleno derecho. Cada vez más, los artistas y los sellos hacen su “coming out” para gran felicidad de nuestros oídos.

¿Cuáles son vuestros planes para el futuro?

Uno de los planes es la venta digital en Ultimae, nosotros trabajamos también en un lugar para los fans con ofertas inéditas, fondos de pantalla, novedades y reportajes fotográficos de festivales… y por supuestos, naturalmente la música, nosotros preparamos los discos de James Murray, Aes Dana, Solar Fields, Hybrid Leisureland, Circular, H.U.V.A. Network, Asura, Carbon Based Lifeforms, recopilatorios.. por lo tanto vamos a seguir :-)

Entrevista: Roberto Vales [Equipo A Última Fronteira]

Aline: Musicalizando Imágenes

2008-06-23T10:38:00.004+02:00

Inicios Musicales

¿Creerás que empecé cantando de niña en el coro de la escuela como voz principal? Cuando crecí cambié el coro por la comedia musical. Entré a ello por casualidad. Recuerdo que cuando me escogieron para la primera obra de teatro me dijo el director: "Te hemos escogido solo porque cantas pero vas a tener que ponerte las pilas para actuar y bailar"... Realmente fue una etapa fabulosa en mi vida. Formábamos un grupo teatral muy unido.
Después de haber hecho comedia musical hubo un paréntesis porque me fui a vivir y estudiar en Francia.
Fue solamente cuando volví a salir de Francia, ya casada y embarazada, para vivir en Jamaica, que me volvió a entrar el gusanito del escenario y empecé a tomar clases de canto con la señora Giorgia Guerra, que era una cantante cubana muy conocida en la isla. De ahí todo fue muy rápido. Otro alumno de canto, Abijah, me escuchó y me invitó a grabar una canción en su disco. Su canción llegó al número 1 en Jamaica y se mantuvo ahí cierto tiempo. Me invitó a dar un concierto donde había otro gran músico que es Maurice Gordon y él también me propuso trabajar con él. Así que podría decir que mis pininos divertidos los hice en México y los más "serios" fueron en Jamaica. Que también fue para mí otra época maravillosa en la que aprendí mucho.

Tu Música

Cantar canciones que no son tuyas y que han sido cantadas muy bien antes de que llegaras tú puede ser difícil. Por ello a mí en lo particular me ha resultado interesante poder hacer una relectura original de la música que me ha gustado. Por ejemplo, la canción "Rosa", que es un choro de Pixinguinha. Siempre pensé que correspondería excelentemente a un jazz de corte digamos clásico. Fue una gran suerte para mí encontrarme con un músico como Camille Perrot, en Francia, porque yo le dí esta idea de adaptación y aunque no estaba muy convencido en un principio se lanzó a hacer los arreglos y quedamos muy contentos con el resultado. Así también sucedió con una canción como Morena Tropicana, que es muy "nordestina", es originalmente un forró, pero le dimos un sabor de reggae. Esto es menos original porque ya se ha hecho en otros casos (como "O Xote das Meninas" de Luiz Gonzaga que fue adaptado en reggae para Marisa Monte) pero no deja de ser una mezcla agradable.
Actualmente intento componer aunque a decir verdad me gustaría hacer un disco con canciones de otros compositores. Pienso en músicos como JR Mestre, Alex Cuba, Yadam, Luiz Brasil, Leo Minax... uf! tantos que tienen canciones mucho más hermosas que las que yo me creo capaz de hacer, por lo menos por el momento...

La Relación Entre Tu Música Y Tus Viajes

Creo que la música que canto y mis viajes son completamente indisociables. No me imagino lo uno sin lo otro, sabes?
Aunque desde muy joven tuve la gran suerte de poder viajar y me interesaba coleccionar música de distintos países (Europa central y oriental, América Latina, Canadá), poco a poco me fui concentrando de manera progresiva en la música brasileña. Después a esto se vino a adicionar naturalmente la influencia de la música jamaiquina, puesto que estuve 5 años viviendo ahí, escuchando ese swing tan maravilloso que tienen los músicos de ahí.
Actualmente me interesa mucho analizar como cantan las mujeres en la India por ejemplo, donde he tenido la suerte de estar recientemente. Me paso el tiempo intentando disgregar cada nota que cantan en una canción para poder intentar incorporarlo yo a mi voz de alguna manera. Sé que hice esto en Jamaica también con las voces de las personas que cantan godspell. Al final de cuentas no sé si todo esto sea evidente para quien me escucha pero yo sé que mi aprendizaje del canto tiene que ver con cada uno de los sitios en donde he estado, ya sea de manera consciente o incluso inconsciente.

La Importancia De La Voz En Tu Música

La voz es el único instrumento que me siento a gusto usando. He intentado aprender guitarra, piano... pero no. La voz me da una gran libertad y aunque he tomado clases para poder controlarla mejor a la hora de grabar creo que pierdo todo reparo y me dejo ir. Así que en realidad no está muy estudiado lo que termina siendo la versión final de cada canción. Al grabar por ejemplo una canción como "Ligia", de Jobim, no pensé en como la iba a cantar pero recuerdo haberme dicho "Ah! esa guitarra me recuerda a los discos de fílin de Pablo Milanés" y zas! me puse a cantar algo muy lánguido y "aéreo" como lo que me provoca escuchar esos discos de Pablo. Creo que pienso más en el efecto final que en la técnica. Sin embargo, Camille Perrot, que es con quien he grabado la mayoría de las canciones, siempre me regaña porque dice que me gusta cantar cosas complicadas! Es muy posible. Me gusta que una canción sea un desafío para la voz.

Tus Cinco Discos Imprescindibles

Qué pregunta tan buena y tan difícil!
Pedacitos de discos hay muchos, pero álbumes completos...

Bicho de Caetano Veloso
Rueda de los Tiempos de La Barranca
Banda sonora de la película Lagaan de AR Rahman
Ramilonga de Vitor Ramil
Universo ao meu redor de Marisa Monte

Me siento mal de haber dejado fuera a Issac Delgado. Si me dejas poner un "pilón", tendría que ser Malecón de Issac Delgado, soy gran fan de él.

+ Info Aqui

El Tema Musical III: Meu Corazón De Brañas Folk

2008-05-29T12:13:00.003+02:00

"El tema "Meu Corazón" fue compuesto por Brian Weatherman, que también colaboró haciendo arreglos para otros temas del disco (Camiñante). Es un tema folk-pop, que habla de la nostalgia (aqui en Galicia llamada "morriña") y es un homenaje a la cantidad de gallegos que por diversas circunstancias tuvieron que emigrar a otros lugares y recuerdan Galicia con cariño" Manuel Brañas

Entrevista completa aqui

El Disco IX: Music That illuminates your Life Volume One De Gemini Sun Records

2008-05-23T15:48:00.003+02:00

"Gemini Sun Records está orgulloso de traerte música que ilumina tu vida con "Music That Illuminates Your Life Volume One".
Explora lo más contemplativo y surrealista repertorio de nuestros artistas, incluyendo algunos de nuestros artistas favoritos como 2002, David Arkenstone, Nicholas Gunn, Mars Lasars, Loren Gold y Johannes Lindstead, entre otros.
Esta especial selección de canciones creadas es perfecto para meditación y relajación.
Además incluye dos canciones nunca antes escuchadas del multiinstrumentista español Rodrigo Rodriguez, de su disco Inner Thoughts (KZN Records)" Rodrigo Rodriguez

El Programa De Radio IV: Sun Records

2008-05-14T11:50:00.002+02:00

"Cada edición de Sun Records pretende ser un viaje por el rico patrimonio de la música Country. Utilizando una óptica analítica, viajaremos por lo orígenes de este género musical desde la época de Jimmie Rodgers, pasando por el Bluegrass de Bill Monroe, el Honky Tonk de Hank Williams, el Nashville Sound de Jim Reeves, el Country-Rock de los Byrds y muchos más. La misma óptica analítica nos va a permitir asociar esta música amerícana de raices con otras disciplinas que van más alla del plano musical como son la historia y la literatura. Tendremos oportunidad de hablar de la historia del ferrocarril, de la Gran Depresión Norteamerícana de los años 30, de la California de las flores de los años 60...asi mismo de escritores como John Steimbeck, Jack Kerouac, Walt Whitman, entre otros" Xerardo Fernández (Director y Presentador de Sun Records. Sábados de 22h a 23h. Canal Tea. 98.4 FM Ponteareas-al lado de Vigo)

El Disco VIII: Dark Goddess De Kyron (Proyecto De Juan Carlos Mendizabal)

2008-05-03T11:29:00.003+02:00

"El CD "Dark Goddess" o "Diosa Oscura" se grabó espontaneamente como una serie de improvisaciones sin ninguna o bien poca estructura. Yo invité a Vivian a mi estudio y la grabé haciendo todo tipo de experimentos vocales. La base de todo el proceso fue cambiar el espacio de forma que ella pudiera estar completamente libre de hacer lo que quisiera, sin miedo a ser corregida o rechazada. Una vez creado ese espacio grabe muchas diferentes secuencias, una detras de la otra, hasta que ya no hubo más energia. Después, ya con muchos tracks grabados en mi computadora, fui escogiendo, editando y estructurando las diferentes piezas. Les aumenté muchas partes de sintetizador, de drum machines, de guitarra y percusión. Les dí forma, encontrando los temas escondidos y haciéndolos sobresalir de varias maneras. Mi intención en todo momento fue hacer que ese espacio que logramos

crear con Vivian quedara siempre en el CD, enmarcado con otra instrumentación y con mas estructura que reteniendo su espiritu original de caos y libertad."

*Nota: Juan Carlos Mendizabal es dueño del sello discográfico USA Black Note Music donde publica sus propios discos y los de otros muchos músicos.

Rey: Electrónica ' s Desde Dinamarca

2008-04-17T15:40:00.004+02:00

Inicios

Empezé en 1984 experimentando con circuitos electrónicos. Yo mismo los hacia con componentes que compré en una tienda de electrónica. Hacia generadores, osciladores, amplificadores, etc. Con aquellos circuitos juntaba mis propios instrumentos y teclados. Pero aquellos aparatos que que habia juntado, tenian sus limitaciones y servian más bien para efectos de sonido, no para tocar y componer música. En 1986 compré mi primer sintetizador. El Yamaha CS 30 L, un instrumento monofónico pero con muchos recursos para componer música y hacer buenos efectos. Con el tiempo conseguí un sintetizador polifónico, el Roland Jupiter 4 porque necesitaba un instrumento con el que podria tocar acordes. Aquellas composiciónes que hacia en aquel tiempo estaban grabadas con mi viejo magnetófono de bobina y un magnetófono de cassette de 4 pistas. Esas grabaciones las tengo todavia, solo que la calidad del sonido no esta tan buena.

Estilo

Mi estilo siempre ha estado inspirado de artistas como Tangerine Dream, Brian Eno, Mike Odlfield, Jean Michel Jarre y Giorgio Moroder que son músicos que bien crearon el fundamento de la música actual como la música house, chill out, ambient etc. Antes me dedicaba solo a la música house, pero ultimamente me estoy dedicando más al chill out y ambient mezclándolo con la música clásica electrónica.

Hidden Vibrations

Antes me dedicaba a hacer arreglos de la música de Tangerine Dream, Mike Oldfield, Yanni, Giorgio Moroder, Space y Milkways para Hypnotic Records. Aquella compañia discográfica necesitaba álguien quien tenia conocimientos de la música electrónica clásica para aquel proyecto. Yo fui uno de los escojidos para esos trabajos porque ya me conocian y sabian que yo era bueno para ese tipo de música.
Ya tenia pensado sacar mi propia música pero Hypnotic Records solo queria que le hiciera más arreglos de otros artistas dentro de la música electrónica clásica.
Entonces 1999 publiqué "Hidden Vibrations" con Tele Sound Recording. Ese cd es muy ambiental pero muy inspirado de la música electrónica de los años 1970-1983. Lo considero un cd muy experimental y fuera de lo común con una música muy mística, más bien música cósmica. "Hidden Vibrations" lleva los viejos estilos de la música synth mezclados con la música techno del año 1999.

Inovative Desert

Después del cd "Hidden Vibrations" me dio por dedicarme a la música house. Bim Bam Recordings y Hypnotic Records me contrataron algunos de mis números de house, pero nunca los han publicado. También me dedicaba a tocar en vivo con mi estilo de house. Me di cuenta de que me estaba cansando de hacer la música house, pues la nueva música de house al final no era nada más que ritmos y repeticiones de lo mismo y lo mismo. Me inspiré de nuevo en una música más ambiental y algo nuevo.
Tuvo que pasar 8 años antes de que saliera "Innovative Desert". Este álbum lleva el mismo estilo de "Hidden Vibration" pero es más simfónico, melódico y tiene más ritmos. Voy a dejar la música house por un tiempo y mejor dedicarme a mi estilo de ambient y chill out mezclado con los estilos clásicos de la música electrónica.

Proyectos

Ya estoy dedicándome a hacer la música para mi siguiente disco "Deep Transfer". Este proyecto también va a ser dentro del estilo que llevan mis discos, "Innovative Desert" y "Hidden Vibrations".

El Tema Musical II: I Dont Have To Lie de Peter Buffett

2008-04-06T23:30:00.002+02:00

"Esta canción fue escrita inspirada por la muerte de un amigo cercano que murió hace poco tiempo. Es sobre mi relación con él. Él me contó secretos sobre su vida que debia mantener en secreto. Era una relación complicada y difícil y cuando él murió, me liberó. Es interesante que te sientas atraido por esa canción. Pienso que es probablemente porque la emoción es tan real y cruda. Me hace sentir bien que puedas oir eso en la canción."

NO TENGO QUE MENTIR

Saber que no puedes oírme
No lo hace más fácil
Para decir
Todas las cosas
que yo nunca podría decir
Cuando eras más cercana a mí

Allí nunca era una respuesta
una simple explicación de los motivos
Te agarraste
Te sostuviste tan fuerte a las cosas que te marchaste

No te entendí
Pero no entiendo mucho
adivino que puedo perdonarte
y no tengo que mentirte más

Sé que puedes verme
Sabes que mi vida continua
con piezas de algún sueño
una historia en algún sitio
Donde todo resulta el final

Ahora aprendo a decir ¡adiós!

La Colaboración III: Alquimia Y Michael Nyman

2008-03-05T23:41:00.004+01:00

"Mi colaboración con Michael Nyman empezó cuando me conoció en una exibición de instalación de sonido artístico en Londres en el 2001.
Cuando se enteró que era cantante, me preguntó que tipo de tesitura era mi voz y le dije que soy soprano, luego me preguntó si sabia leer partituras, y que tipo de música cantaba, le dije que habia estudiado piano y canto con partituras, y que mis estilos eran muy variados, desde la música clásica, Celta, world music hasta la experimentación de sonidos vocales entre otros estilos más.
Entonces me pidió mis datos comentándome que necesitava una cantante para remplazar a la chica que normalmente va con él y su banda de gira, pero ahora se encontraba enferma.
Asi que le dí mis datos y también le obsequié una copia de mi album "A Separate Reality".
Al dia siguiente Michael me llamó, diciéndome que le habia parecido fascinante la música y los cantos que escuchó en mi album con influencias mysticas de cantos primitivos, y semi clásicos y una mezcla de instrumentación éthnica y electrónica. Yo me senti muy halagada, pero más aún sorprendida de que enseguida me preguntó si podia ir a hacer una audición para la gira inmediata por Italia, el tiempo era cortisimo para ensallar con las partituras, sin embargo le dije que si, pués me parecia muy interesante su música y además una bonita oportunidad para ir a Italia.
A los pocos dias fui a hacer una audición a su estudio, Y Michael empezo a tocar en el piano algunas de las piezas que han sido ya conocidas a traves de sus películas.
Especialmente habia una pieza muy dificil que Michael escribió para cantar en el "mi" sobre agudo y al cual no muchas cantantes pueden llegar con facilidad, pero mi rango de tesitura de voz es soprano ligero, de manera que cubro esa nota con facilidad, y este detalle fue importante para la decisión positiva de Michael. Bueno que al final todo ha salido muy bien, la gira se hizo en Mayo del 2001 y el público italiano como te imaginaras es muy entusiasta, asi que tuvimos aplausos y más aplausos hasta con la gente de pie y gritando , encora piu! -aun más!
Fue una oportunidad muy importante para mi, y una experiencia fascinante dentro de la música clásica.
Sin embargo a pesar de que la música clásica es muy bella, no senti que queria quedarme atrapada o encasillada en ese estilo asi que decidi que eso no era mi camino definitivo. De regreso a Londres continué trabajando, en mis propios proyectos donde siempre he sentido más libertad de combinar otros estilos de música. Asi que grabé nuevos discos "Angaelic Voices" y "Forever" (bscmusic) con canciones de fusión de música celta y tradicional. (se pueden escuchar en www.myspace.com/alquimiamusic
www.myspace.com/alquimialive
Actualmente me estoy presentando por el Reino Unido con mi grupo The Alquimia Band que es una mezcla de canciones y música tradicional con sabores Celtas y medievales y con un poco de toque moderno!
Y bueno ojala que sea posible que nos presentemos algun dia por tus tierras!
Un abrazo"

Alquimia

Animals Pink Floyd Magazine: Entrevista A José Abellán

2008-02-17T22:59:00.004+01:00

Nacimiento de Animals Pink Floyd Magazine

La fecha exacta del alumbramiento de Animals Pink Floyd Magazine, tuvo lugar un 12 de octubre de 1997 y ejecutado por dos animosos amigos de infancia, José Abellán y Juan Robles.

Encuentro con Roger Waters

Te referirás a las ocasiones que he tenido un encuentro con el jefe. Una en Sevilla en 1991 dentro de aquel extraño Festival de Las Leyendas de la Guitarra. Nuevamente en Sevilla en 1999 con ocasión de la promoción del lanzamiento de “Is There Anybody Out There?”. Roger lleva desde finales de la década de los 90 girando en un simil de su gran admirado compañero Bod Dylan que hace años se embarcó en “la gira sin fin”. En estos ocho años, han sido varios los encuentros con el genio de Waters que he recogido, todos esos encuentros, a lo largo de los diversos números publicados del magazine.

Discos de Pink Floyd recomendados

No puedo decirte cual disco recomendar de los catorce de la discografía de los Floyd. Cada disco tiene su “algo”, cada disco es distinto y cada disco puede gustar menos o más, esto depende de cada persona. No obstante, viendo las ventas obtenidas por diversos discos podemos ver el gusto de la gente. Los discos de Pink Floyd que más ventas han obtenido en estas últimas décadas han sido: “The Wall” y “The Dark Side Of The Moon”.

Décimo aniversario

Lo único que puedo decirte es que he invertido mucho de mi tiempo, de mi dinero y muchas ganas e ilusión en poder celebrar con éxito estos diez años de “Animals Pink Floyd Magazine”. La respuesta de la gente a sido desigual…no ya en el aspecto de venta del fancine; sino la respuesta a las celebraciones que hemos realizado el pasado mes de Noviembre en Barcelona y Madrid. Aunque no hemos conseguido una cobertura en ningún medio, si me moleste en promocionar estos eventos por mis propios medios; pagina web y correo tanto electrónico como postal. Lo más increíble, es que las personas de los lugares donde celebramos esas fiestas no hicieron ninguna publicidad ni se molestaron en hacerla. Para Barcelona (con la presencia de 60 personas) fue debido por el boca a boca y debido a la presencia mayoritariamente de amigos, colegas y familia de “Syd Barretina” que celebramos conjuntamente su fiesta de despedida por medio de una actuación musical. Si sólo hubiera sido por mi convocatoria sólo hubieran acudido una decena de personas.
Para Madrid, conté con la inestimable ayuda de Javier Monteagudo, de la emisora “Los Recuerdos del Unicornio” que me buscó un céntrico bar llamado “La Cara Oculta de la Luna”. Igualmente, y gracias a José Miguel López nos concedió una extensa entrevista en su programa “Discopolis”. Como en anteriores ocasiones, pensaba que acudiría bastante publico. El chasco fue enorme; ya que después de 6 horas sólo se acercaron 20 personas………¡ Un desastre! ¡Por cierto! Pocos días después de esa fiesta el bar – sala “La Cara Oculta de la Luna” cerró sus puertas. No sé si tuvimos que ver en algo……Sé que han vuelto a reabrir pero bajo otro nombre “La Cueva del Mojito” o algo parecido y ya no pinchan rock sinfónico………

¿David Gilmour o Roger Waters?

No puedo ni debo decantarme por ninguno, al igual que los discos de Floyd, cada uno es distinto. Podría disertar en varias líneas sobre los dos; pero últimamente en sus giras personales, cada uno se vende así con esta leyenda. David Gilmour: “La Voz y Guitarra de Pink Floyd”. Roger Waters: “El Genio creativo de Pink Floyd”. Tienen en común Pink Floyd, banda donde juntos crearon las más bellas canciones y melodías de la historia del rock. Separadamente se han labrado una carrera en solitario que no ha tenido un éxito parecido durante su estancia en Floyd. Separadamente, cada uno, ha intentado llevarse la etiqueta de “yo soy Pink Floyd” con sus discos y giras, especialmente en estos últimos años que repasan más el cancionero de Pink Floyd que sus trabajos en solitario donde hay material suficiente como para ofrecer casi tres horas mágicas de música.

El Concierto VI: TAO, Percusiones Desde Japón

2008-01-31T18:45:00.001+01:00

Ayer dia 30 de Enero mi compañero de A Última Fronteira Roberto Vales y yo asistimos a uno de esos conciertos que se te quedan en el cerebro por mucho mucho tiempo. A los dos siempre nos han gustado las percusiones y ayer, como decia, pudimos ver en directo a uno de esos grupos japoneses que tan bien la dominan: TAO. El concierto se dividió en dos partes (con su correspondiente intermedio) siendo la primera enmarcada en una representación más tradicional y la segunda más informal y contemporánea. Sobre el escenario multitud de tambores que ejercian un protagonismo principal a veces mezclados con suaves flautas y alguno que otro instrumento. Para domar estos instrumentos 8 chicos y 3 chicas que con una sincronización total hicieron que el respetable que alli nos reuniamos nos tuviesemos que levantar de los asientos para aplaudir una y otra vez tan magistral espectáculo. Como a veces las palabras no son suficientes os dejo con un video que os invito a ver de principio a fin ¡Increible pero cierto!

El Concierto V: Rodrigo Rodriguez

2008-01-28T22:30:00.000+01:00

"Estimado Manuel, primero quiero agradecerte tu colaboración con tus preguntas e interés en mi trabajo para difundirlo en mi tierra que uno tanto extraña...

El Tour de conciertos en el sur del Pacífico (finales de diciembre 2007 y principios de enero 2008) fue algo impresionante para mi como experiencia, Nueva Zelanda es un pais increible, me faltan palabras para describir la belleza y simplicidad de esas tierras del sur de Pacífico.

Los conciertos estuvieron bien, especialmente en Prana Festival, en el escenario disfruté mucho pero aún disfruté mucho más en los ensayos y las jams que compartí con otros músicos por las tardes y noches en un ambiente más informal y acojedor.

Nueva Zelanda...la experiencia puedo decir que es algo increible como comenté antes, creo que el año que viene volveré sino es por trabajo será como turista.

Los conciertos suelen variar dependiendo del contrato, duración, lugar...Pero siempre hay unas caracteristicas comunes en todos ellos: puramente acústico y como solista. Pero claro, como uno nunca lo puede saber, a veces uno se encuentra unos dias antes con otros músicos y se produce una colaboración repentina sobre el escenario. En este viaje, en concreto, toqué con el músico Indú Subash Chandra Graur que toca la Tabla...era uno de los músicos que tocaba en el festival...muy buena onda y energia..." Rodrigo Rodriguez

Mielotxin: Folk Inteligente Desde Navarra

2008-01-14T19:27:00.000+01:00

Nacimiento Mielotxin

Surge en el verano del 2.003, cuando después de grabar una maqueta en solitario en Pontevedra con la ayuda de los hermanos Refojo, busco a músicos cerca de mi localidad (Tafalla) para poder montar el directo y seguir en esta línea musical que me había marcado.
Los primeros directos no los damos hasta la primavera del 2.004.

Discografía

Tenemos dos c.ds:
Empápate del 2.005, autoproducido, hecho como consecuencia de invertir el premio que el Gob. de Navarra nos da por ganar Jóvenes artistas de Navarra.
El 2º c.d es el que acabamos de sacar: Almadierra Grabado en agosto de 2007 en el Estudio Binario del Auditorio de Barañain por Txuma Huarte.
Mezclado y masterizado por Caco Refojo en los Estudios PKO de Madrid.
Producido por Pipo Albariño(Guitarras acústicas y Mandolina). Ha contado con la colaboración de Joaquín Taboada al piano y arreglos de cuerda, un músico navarro de gran proyección y que ha sabido darle su toque personal a los temas en los que ha colaborado.
En el primer c.d, destacar la colaboración de Oreka Tx a la txaaparta, el cantautor Gontzal Mendibil y Pipo a la acústica de nuevo.

Conexión Con Galicia

Me viene desde que comencé la carrera de Musicología en Oviedo al coincidir con Pipo Alvariño de Pontevedra, que ahora forma parte del grupo Pepe Vaamonde Grupo. En el 97 formamos un grupo de folk en Oviedo junto a 3 músicos de allí, que se llamó Britonia. Con Britonia dimos bastantes conciertos por Galicia y otros lugares, y a mí me sirvió para conocer su música y el movimento folki y de festis que entonces empezaba a surgir.
Después de dejar Britonia cada uno de nosotros volvió a su ciudad y siguió caminos paralelos, pero la amistad y el contacto por seguir haciendo algo conjuntamente siguió. Así en el 2.001-02, grabamos la maqueta de la que te he hablado. En el 2.004 cuando grabo Empápate él tb colobora grabando algunas guitarras. Y st ahora con Almadierra, el segundo c.d, en el que es productor.

El Grupo En Directo

Los directos son muy frescos, alegres, ciudados, ya que solemos acompañarnos por dos parejas de danrtzaris que salen a escena en algunos temas bailando con los trajes tradicionales y convierten el concierto en un espectáculo visual.
La variedad de ritmos, letras, estilos... hacen que sea muy ameno, y que la gente vuelva la mirada a nuestra cultura musical, ya que la mayor parte del repertorio está basada en canciones y melodías tradicionales tocadas con los instrumentos autóctonos, pero con una visión moderna y actual.
Si tocamos en una sala cerrada y hay proyecciones, tnemos prepadas varios temas con imágenes de Navarra y su cultura que se integran muy bien, y nos transportan a nuestra tierra.

Instrumentación Variada

La isntrumentación es muy variada y cuidada, y que nos permite hablar de esa fusión que nosotros intentamos hacer con la música. Así encontramos unidos a Txistus, txirulas, alboka o acordeón, que son típicos de aquí , junto a el cajón flamenco, el Udú, o la guitarra española.
La variedad tímbrica es para nosotros fundamental para pode jugar con los colores, la tesituras, los registros... y hacer que las composiciones sean más atractivas y tenga cada una su propio criterio.

Xosé Manuel Budiño: El Folk Se Abre A Otras Músicas

2008-01-06T20:39:00.000+01:00

El Viernes 4 de Enero tuve la ocasión de entrevistar aqui en Vigo al gaiteiro Xosé Manuel Budiño, de sobra conocido para los amantes del Folk más contemporáneo. Me acompañaban en esta ocasión mis grandes amigos y compañeros de faenas Jorge Sergio y Roberto Vales. Quedamos a las 17:30 y en principio solo teniamos media hora para charlar con él...media hora que se convirtió en ¡¡¡tres horas y media!!!. Como podeis imaginar nos contó muchas cosas que podreis leer dentro de pocas semanas en las revistas InterFolk y Ritmos Del Mundo. Aqui solo voy a escribir una de las muchas anécdotas que nos contó:

"Hace unos años tuvimos la gran suerte de tocar en un Festival en la Islas Hébridas en Escocia. Son las islas más alejadas de lo que es Escocia como tal. Yo pensaba que alli no habria nadie pero es algo parecido al Festival de Ortigueira: un pueblo pequeño que durante el Festival se llena. Por cierto, las focas alli son como aqui los perros: están por todas partes en el pueblo. Yo tenia que ser el telonero de nada menos y nada más que el mismisimo Van Morrison. Tal noticia hizo que los medios de comunicación españoles se hicieran eco de la noticia. En todas las entrevistas me lo preguntaban. Pero poco antes de comenzar mi actuación la gente de la organización me dijo que Van Morrison queria actuar primero y por supuesto que no me importó...aunque lo hiciera no creo que sirviese de nada: Van Morrison es Van Morrison. LLegó un momento antes en su avión privado. Lo recogió un BMW y directo al escenario. Tocó y cuando aún los músicos suyos estaban acabando el último tema él ya estaba montado de nuevo en el coche de regreso al aeropuerto para volver a su casa. Como te puedes imaginar al dia siguiente las bromas fueron abundantes incluso por parte de los medios de comunicación: Van Morrison telonea a Xosé Manuel Budiño."

(c)Texto: Manuel Lemos Muradás.
(c)Foto: Roberto Vales.

El Concierto IV: Jean Michel Jarre

2007-12-15T22:17:00.000+01:00

“Cuando escuchaba hablar a la gente de ir a Paris y lo hacian con una cierta babilla asomandoseles de entre los labios mi respuesta o bien verbal o bien mental era: ¡a mi psiii! Ahora puedo decir que estaba equivocado. A parte de que Paris es la Torre Eiffel, La Catedral de Notre-Dame, etc de esta ciudad me quedo con una cosa: La gente. Son muy educados y respetuosos (y no penseis que es por que yo era un turista por que lo son también entre ellos).Siempre tienen un “merci” (gracias) y un “au revoir” (hasta luego) dispuestos en todo momento.

El concierto de Jean Michel Jarre del miércoles dia 12 de diciembre (el primero de una serie de 10) fue al que tuve la suerte de asistir. Tal evento se celebró en el Teatro Marigni, un teatro no muy grande y antiguo. Esta serie de conciertos es devido a que el francés ha vuelto a grabar su legendario primer disco Oxygéne que data del año 1.977, por lo tanto nos encontramos ante el 30 aniversario. La duración del concierto fué escasa (sobre 1 hora 15 minutos) donde pude asistir a la interpretación íntegra de esa nueva cara de su primera grabación. Acompañado de tres músicos más, sobre el escenario se encontraba todo un arsenal de sintetizadores analógicos que más que un concierto de Jarre parecia que me encontraba ante la próxima actuación de Klaus Schulze o Tangerine Dream. El sonido impecable y la puesta en escena aunque muy lejana de la de sus megaconciertos al aire libre fue efectiva y precisa. Al escribir estas lineas Jarre lleva 4 conciertos, asi que quedan 6 por lo que si os animais a alegrar vuestros ojos (Paris) y vuestros oidos (Jarre) aún estais a tiempo.”

El Disco VII: Across The East De Rodrigo Rodriguez

2007-11-25T22:58:00.000+01:00

"Across the East , salió a la venta el pasado 24 de abril worldwide (Disponible en Amazon.com) En este disco utilizo por primera vez instrumentos de origen chino, el órgano de Boca llamado "Sheng" que consiste en tubos hechos de Bambú verticales,551 BC utilizado desde Zhou Dynasty (1111 to 222 BC.) Acompañado de duos para guitarra acústica y la flauta Shakuhachi de Japón. También en el disco participa mi buen amigo Hernan Livolsi en un solo de Fujara, flauta tradicional Eslovaca y samsula, instrumento africano similar a Kalimba. El disco es completamente instrumental. Grabado en Japón y España. La inspiración nace en las experiencias que desato en el Este, como bien dice el disco Across the East, Cruzar el este.

Instrumentos usados en Across the East:

Shakuhachi,
Steel Guitar,
Sheng,
Clarinet,
Oud,
Shurti,
Samsula,
Fujara,
Guitar Case
(played as a percussion),
Whirling Drums,
Quena,
Kenong,
Saron,
Bonang,
Harmonic tube,
Cello,
Wind Chimes,
Piano"
Rodrigo Rodriguez (03.11.2007)

Antonio Baena: Experimentando Sonidos

2007-11-13T12:30:00.000+01:00

Los inicios.

La música la he tenido presente desde siempre, no hay un punto en el que pueda decirse que fue cuando empecé a interesarme por ella, ha ido madurando poco a poco según lo hacía yo mismo, desde siempre me interesó tocar la guitarra y aprender a tocar canciones.
Cuando estaba en el conservatorio probé el sonido midi con editores de partitura pero por aquella época ese sistema dejaba aún mucho que desear a nivel de calidad de sonido, estaba bien para componer, pero poco más.
Más adelante cuando llegué a la universidad la informática musical ya sí estaba lo bastante desarrollada como para poder hacer trabajos que tuvieran un mínimo de calidad, y entonces fue cuando me puse a componer como un loco, siempre dentro de la música llamada entonces new age, lo que luego se ha denominado nuevas músicas, temas que ahora los veo y algunos me suenan muy ingenuos, pero otros aún me convencen, en cualquier caso hasta la fecha los he mantenido inéditos. Fue un tiempo de conocer muchos recursos nuevos, de probar muchas cosas hasta que al fin conseguí hacer un trabajo que sonara medio decente, que fue la música de “Tres cuadernos de otoño”. Y lo que sigue desde ahí ya no son los inicios…

Mi música.

Desde mi punto de vista lo primero que debe cumplir un artista, sea del tipo que sea, es tener algo que decir, más profundo o más ingenuo, más sofisticado o más simple, sea de la naturaleza que sea, pero decir algo, si no el arte se convierte en espectáculo o en entretenimiento, muy divertido de ver, muy vistoso, pero devaluado. Desde ese prisma mi música no es más que el medio que he encontrado para decir, es una forma de poner en claro mis reflexiones y mis ideas, de darles una forma atractiva e interesante, de manera que a otros les resulte agradable acercarse a ellas. En el fondo tengo la ingenua esperanza de que todos los pensamientos que a mí me han ayudado, todas las reflexiones que a mí me han servido y me están sirviendo para ser feliz, puedan servir a alguien más, que haya alguien en alguna parte que oiga un tema mío y piensa “oye, pues ésto no me lo había planteado de esta manera”. En el fondo lo que pretende es tan simple como ser un instrumento que pueda utilizarse para encontrar un poquito de paz.

Mis discos.

Bueno, técnicamente hablando no tengo ningún disco publicado, ya que todos mis trabajos están colgados en Internet como descargas gratuitas. Pero entrando en materia, el primer trabajo que realicé fue “Tres cuadernos de otoño”, era una obra que tenía dos partes, un libro de poemas y una serie de canciones pensadas para acompañar a esa lectura. Musicalmente hablando es una música muy tranquila y relajante, con canciones que llegan a los 30 minutos, porque están pensadas para acompañar largas horas de lectura, del libro de poemas que las acompaña o de cualquier otro.
Lo siguiente que realicé fue “Lejos de casa”. Está inspirada en una serie de poemas del mismo título de “Tres cuadernos de otoño”. Aquí ya sí pretendí que fuera una música más descriptiva, pretendía contar con sonidos lo que decía con palabras, de manera que llegaran por las dos vías. Esta obra ya no es tan tranquila n i tan relajante, es más dura de oír, no entra a la primera, pero por el contrario pienso que consigue que el oyente se “meta” dentro de la música y hacerle sentir, llevarlo, traerlo, ahora se queda en silencio, ahora explota… pienso que el oyente, gracias a los sonidos, experimenta sensaciones. Este trabajo temo que pase un poco desapercibido porque cuando lo hice aún no tenía mi página web y no tenía ningún medio para hacerlo público, no le hice ningún tipo de promoción en su día y cuando ya por fin se vio publicado fue al año siguiente cuando ya sí abrí mi página en Internet “Taller de horas” y en ese momento me dediqué a mi recién estrenada “Árbol de otoño que siente primavera”, y me da pena porque es tan buena como pueda serlo su sucesora.
La siguiente obra que publiqué fue la que ya he nombrado “Árbol de otoño que siente primavera”, porque entre esta y la anterior hubo otra en medio que llamé “Con luz los vacíos” pero más que un trabajo nuevo en sí fue una especie de diversión, una forma de despejar mi mente un poco para desconectar de “Lejos de casa” y prepararme para “Árbol…”, no es una obra que tenga que ver con las nuevas músicas, es un pop muy asequible, que entra muy bien de primera hora. En “Árbol…” seguí la línea iniciada con “Lejos de casa”, con la música que describía una serie de poemas de “Tres cuadernos de otoño”, y también pretendía hacer que el oyente pudiera experimentar, pudiera sentir lo que contaban las poesías.
Y finalmente en octubre de 2007 acabo de publicar lo que será la última secuela de la serie “otoñal” basada en “Tres cuadernos de otoño”, se llama “Sombras del otoño” y no es material nuevo en sí mismo, en realidad es una recopilación de rarezas, de material que permanecía inédito hasta ahora, y que salió de las sesiones de grabación de “Árbol…”, son las pruebas que hice buscando los sonidos con los que luego creé esa obra, lo que pretendo es ayudar al oyente a entender un poco mejor todo el proceso que llevó su realización . Es como un apoyo para que el público la aprecie más.

Los orígenes de la experimentación.

Uff! Buena pregunta sí señor. Yo pienso que es algo inherente al ser humano, tenemos, entre otras características, una curiosidad innata, siempre queremos saber más e ir más lejos, porque nos aburrimos con mucha facilidad de lo que ya conocemos. En la música francamente no te sabría decir cuándo empezó porque creo que es desde siempre, desde que el primer troglodita dio golpes con una piedra en el tronco de un árbol para ver qué pasaba. Ya Johan Sebastian Bach pienso que fue un experimentador nato y gracias a eso creó el sistema musical que tenemos ahora basado en siete tonalidades mayores y siete menores. Y a principios del siglo pasado Charles Yves, por ejemplo fue uno de los precursores de la música dodecafónica, y todo empezó porque quería experimentar y probar sonoridades nuevas, huir de las armonías tradicionales. Más avanzado el siglo XX, músicos con John Cage u Olivier Messien fueron un poco más adelante probando sonoridades más nuevas aún. Y ya coetáneos nuestros, están los grandes músicos de la psicodelia de los 70, personas que huían de la comercialidad y de los sonidos tradicionales, que sólo les interesaba el probar sonidos nuevos, desde los más radicales como Tangerine Dream o Klaus Schulze, pasando por los geniales Pink Floyd y Philip Glass, incluso el propio Vangelis, que si hoy día su trabajo es interesante, sus discos de aquella época son apasionantes, por la valentía y por la vanguardia que se desprendía de cada una de sus notas, eran pura innovación. Yo pienso que todos los músicos que hoy día nos dedicamos a exprimir los sonidos para sacar elementos novedosos nos hemos inspirado en toda esa serie de artistas de los 70, porque fue una época muy rica en talento y sobre todo muy abierta de mente, con una predisposición muy buena para todo lo que resultara innovador, pienso que eso es fundamental para las personas, el no encasillarse, no quedarse siempre en el mismo lugar respirando un aire viciado, eso acaba destruyéndonos, es muy bueno ir mirando siempre hacia delante, ir siempre en busca.

¿Cómo llega la inspiración?

La verdad es que no te sabría decir, yo no creo demasiado en ella, es verdad que hay rachas en las que estás más productivo y rachas en las que está la mente más seca y no parece que salga nada, pero tampoco hay que dejarse obsesionar por eso, si no te sale nada, seguramente será porque no tienes nada dentro en ese momento y por más que te estrujes no vas a conseguir ningún resultado, es como un limón que ya ha soltado su última gota, por mucho que aprietes no soltará más porque ya no le queda zumo. En esos casos yo recomiendo que en lugar de desesperarte ante un papel en blanco, esperando que salga algo de donde no hay porque ya está vacío, que te despejes, que salgas a dar una vuelta, a charlar con los amigos, que leas un buen libro, que visites un museo, que oigas un buen par de discos o que vayas al cine a ver una película interesante… en definitiva, que te rellenes otra vez, que busques algo que volver a decir. Esa receta no falla, a las dos o tres semanas ideas nuevas surgen en la cabeza y el trabajo vuelve a fluir. Como te decía antes, lo importante es que tengas algo que decir, en ese caso lo demás viene rodado.

[+ info en Antonio Baena]

La Música III: La Música De Los Músicos II (Nicholas Gunn)

2007-11-04T20:10:00.000+01:00

Hola Manuel
Aqui están algunos de mis músicos favoritos:

Pink Floyd

Sting

Vangelis

Conjure One

Andreas Vollenweider

ELO

Peter Gabriel

The Police

James Blunt

The Killers

Elton John

Cold Play

Nickel Creek

Ultravox

Talk Talk

Supertramp

Enigma

The Beatles

Saludos.

Odracir Lavid: Música MultiCultural (Inicios, Música, Proyectos...)

2007-10-25T18:42:00.000+02:00

"Aproximadamente a primeros de los ochenta (1983), ha llovido mucho, fui finalista en uno de los primeros concursos de nuevas músicas realizados en nuestro país, por una conocida revista de entonces. Bajo el seudónimo de Mercurius presenté una serie de temas en la línea electrónica secuencial totalmente analógico, con modulares y cables por todos los sitios.

Posteriormente realice varias actuaciones en solitario, y paralelamente fundé otros grupos de músicas mas comerciales, en la línea de rock sinfónico.

Alrededor de 1990 empecé mi etapa New Age , coofundando el grupo Terra con C.Reig. El gran apoyo fue poder aparecer en repetidas ocasiones en el programa Hidrogen de TV3.
Con este grupo vieron la luz dos trabajos Ekos de otra Era, y Natura. Aparte de colaborar en ediciones especiales de productos lanzados por TV3. Sobre el 2000 decidí cambiar de aires y empecé a tejer nuevas maneras de tratar mis composiciones. Me aventure en la creación del Insolit Music Forum, festival de música electrónica clásica y música global., con participación de empresas del sector y discográficas. Al conocer a Mr.Scab, a raíz del proyecto IMF, comenzamos a colaborar en diferentes trabajos de música en directo. Tuve la suerte de ser su acompañante en el Festival Alfa Centauri de 2005, en Holanda. Dom F.Scab participó activamente en todos mis nuevos proyectos de Música Exótica. En estos últimos años fiche por Neuronium Records de Michel Huygen, editando The Temple of Dreams, distribuido por Blanco y Negro, y recientemente reeditado por Animamusic. Fue seleccionada por el Departamento de Cultura mi obra EthnoSyntheticJazz, siendo nominada como producción especial para 2005, presentándola en el marco del 37 Festival de Jazz de Barcelona. Una agradable sorpresa, ya que es una fusión de música exótica, jazz y elementos electrónicos. También la recompensa llegó con una gira por Catalunya y Galicia, en el Ressons Jazz Tour. En 2006 se me encargó una obra para poder participar en el Primer Festival Internacional de Percusión del Auditorio de Barcelona. Presenté Utopic Lands. Tanto EthnoSyntheticJazz como Utopic Lands, han sido lanzados al mercado este año en una nueva discográfica. También mis temas han sido escogidos en recopilatorios de percusión, entre los que figuran grandes músicos como Nana Vasconcelos. Son grabaciones realizadas en directo, sin trampa ni cartón, grabadas por el magnifico técnico José Mª de Toledo, una en el mítico L´Espai, y la otra en el propio Auditori de Barcelona. Paralelamente a estos eventos, se puso en marcha el colectivo Barcelona Electrónic Sound, formado por magníficos compositores de vanguardia, con el cual editamos un primer cd, donde se aprecia la variada riqueza y estilo en los tratamientos electrónicos con los que cada compositor desarrolla su tema. Como no puedo parar, propuse poner en marcha un Ciclo Cultural, dedicado a la sensibilización respecto a los innumerables problemas sociales y medioambientales que nos acucian. En Febrero 2007 comenzó su andadura el CICLO DE MÚSICA PARA LA BIODIVERSIDAD. Durante todo el año, y los últimos viernes de mes han intervenido con conferencias informativas : Geenpeace, Médicos del Mundo, Adda, Proyecto Rios, Viajeros del Mundo, El Aula del Agua, y un largo etcétera de entidades. Todas las conferencias han tenido como colofón un concierto de música electrónica, o de world music. Han intervenido entre otros : Bruno Sanfilippo, Alidan, Sam Vitoulis, A.Jacob, John Lakveet, Kimbala, Tahirou Drabo, Dom F.Scab, O.Lavid. En proyecto conciertos de Max Corbacho, Sergio Koval, Joan Cerezo, Aleix Riera, Dona Sona, Kathak. Estoy preparando mi nuevo UTOPIC LANDS II, que presentaré en breve en L´Estació Magòria en un evento especial dedicado a laViolencia de Género a través de la Historia.

. La electrónica en la música.

Desde hace muchísimo tiempo, varias décadas, la electrónica ha cambiado la manera de escuchar e interpretar la música.
Para mi es básico en este momento, ya que mi medio de expresión en los conciertos es la GuitarSynth, así como el trabajo en el estudio es el de cientos de horas en el ordenador.
Parece que a estas alturas si hay un corte circuito no hay vida. Pero a pesar de todo yo seria capaz de componer música con dos piedras. Salud a todos." Odracir Lavid.

El Disco VI: Atmospheric De Computerchemist

2007-10-14T20:39:00.000+02:00

"Mis grandes influencias han sido los Tangerine Dream (entre 1972 y 1979), los días de Froese, Franke y Braumann. También los trabajos de Klaus Schulze y Steve Jolliffe han sido grandes influencias. Tambien me gustan algunos nuevos músicos contemporaneos como The Mars Volta. Hay una lista de algunas influencias más en mi página de myspace. Aqui hay una breve lista de temas y algunos pensamientos sobre ellos:

Marshfire: Imaginate estando en una planicie del desierto, tarde por la noche. De repente el cielo se ilumina con luces. No puedo dejar de pensar en Jabberwocky cuando escribo esto.
Atmospheric vino después de escuchar el sonido del espacio, una grabación sobre el sonido real de la energia solar golpeando el cinturón de Van Hallen (el campo electromagnético terrestre). El resultado es la Aurora Boreal. Estaba muy inspirado por esto asi que escribí la canción. Puedes oir los sonidos de la aurora al principio, en el medio y al final de la canción. He tenido el permiso del profesor Gurnett que ha diseñado el satelite que grabó los sonidos para usarlos en el tema.
Domino´s lament está inspirado en una vieja canción folk húngara de Transilvania. Mucha de la música tradicional de Hungria es muy triste y melancólica. Queria intentar reflejar algo de esto pero con mi propio estilo.
Flight of f, imaginate volando muy rápido sobre un paisaje. De repente la tierra se acerca mientras sobrevuelas un cañon.
Trbalibal, un homenaje de uno de mis teclistas favoritos, Vedres Csaba, un virtuoso de los teclados y muy poco apreciado.
French game idea, Esta fué hecha como un sample de mi música para un juego que tenia que haber sido creado por Ubisoft, una gran compañia francesa de videojuegos. Desafortunadamente el juego nunca pasó las fases de testeo por lo que mezclé las partes en un mix.

Trabajé en el álbum entre junio y diciembre de 2006 en mi estudio. Todas las pistas fueron grabadas, mezcladas y masterizadas usando Cubase SX3, todos los instrumentos son virtual VSTi excepto el bajo y las guitarras. Todas las percusiones son tocadas a través de mi personalizado Yamaha MIDI drum pads o a través del teclado principal y después secuenciados. Empecé tocando los teclados en 1978 y durante los 80 he tocado en varias bandas o grupos, algunos con un estilo más progresivo o heavy metal, pero durante los 90 he gravitado de vuelta a los sonidos que me inspiraron al principio para tocar los sintetizadores. Vendí mi último "real" teclado sintetizador recientemente en Ebay, un Roland S10 sampler. Durante mi carrera he tocado con muchos sintetizadores clásicos como el Fairlight, prophet5 , sh-101, poly-6, sh-09.dx7 y varios sintetizadores y pianos de cuerda. Ahora hago todas mis composiciones en un keystation 88es, no hay necesidad para muchos sintetizadores ahora. Recientemente he tenido un show de 2 horas dedicado a mi música en Tecuan Radio, una gran emisora por internet situada en Mexico DF. Ellos tuvieron las exclusiva para poner un adelanto de "icon one" y tambien algunas pistas de "atmospheric". EL álbum está a la venta via cbaby cdbaby.com/cd/computerchemistcom y también en itunes, y otros sitios afiliados de e-musica. Estoy ahora mismo masterizando mi último álbum "icon one"; está previsto que se publique en algun momento del último trimestre del 2007, a través de mi propio sello terrainflight." Computerchemist

El Programa De Radio III: A Última Fronteira Celebra Su Programa 200 (06-10-2007)

2007-10-08T22:56:00.000+02:00

De Izquierda a Derecha: Roberto Freiria (Cine Sen Fronteiras), Roberto Vales y Manuel Lemos Muradás.

El Disco V: Theatre Des Vampires De Psicodreamics

2007-09-27T22:50:00.000+02:00

Intro breve:

Devoción por la Sangre,

Pasión por la Eternidad,

El exquisito placer de amar...

Bienvenido al Teatro de los Vampiros!

Press Info:

“Detrás del mundo oscuro de los vampiros puedes descubrir un paraíso de emociones, sensualidad y monstruosa lujuria”

Después de su exitoso álbum Azhdark Pasión lanzado en 2004, Psicodreamics nos vuelve a sorprender con su nuevo y esperado trabajo titulado Theatre des Vampires publicado recientemente. Como su titulo indica Psicodreamics nos invita a adentrarnos en otro mundo mitológico y fantástico, concretamente en el mundo oscuro y sobrenatural de los vampiros a través de pasajes tanto ambientales como rítmico-melódicos cargados de emotividad y misterio. Aunque el titulo del álbum pudiera parecer siniestro y terrorífico, la música traza con sutileza la naturaleza mas humana de los vampiros, seres llenos de deseos y emociones revelando su cara mas sensual a la vez que perversa. Instrumentos tales como guitarras eléctricas distorsionadas y órganos de iglesia toman protagonismo marcando un toque gótico y hechizante. Además en este álbum han colaborado artistas españoles de la talla de Ramón Mendigorri tocando diversas guitarras eléctricas en el tema Theatre des Vampires y Nestor Mora a.k.a. Rotsen Jim como co-autor junto con Psicodreamics del tema Daylight Belonging.

Titulos:

1. Damned for Eternity 3:01

2. Theatre des Vampires 4:19

3. Daylight Belonging 4:51

4. Delicious Agony of Love 5:41

5. A life in the Night 4:37

6. The Crypt of Despair 3:53

7. Stakes and Garlics 4:24

8. Lustful Bites in the Dark 4:49

9. Sanctuary of Blood 6:25

10. Bloodsucker 5:25

11. La Valse des Vampires 5:39

La Cita III: El Año Que Ortigueira Volvió A Ser Ortigueira (2.007)

2007-09-14T21:29:00.000+02:00

Ortigueira en su edición 2007, volvía por sus fueros tras el sonoro fracaso del año pasado con el espectáculo que Javier Limón diseñó para celebrar el Centenario de Estrella de Galicia, con la programación más gallega de su historia.

Este año como novedad, la noche del Jueves estuvo protagonizada por el “Proyecto Runas 2007”, lo que es una concepción nueva del Escenario Runas, que animaba las tardes del Sábado y Domingo. Así, para la noche del Jueves, los protagonistas fueron los gallegos Crema de Gaita, Bonovo y Sete Saias, los madrileños Balbarda, y los jerezanos La Jambre. Sorprendió y mucho la concepción instrumental del nuevo proyecto de Oscar Fernández, y es que Bonovo convirtió la madrugada en toda una discoteca. Destacaron, y mucho, también los madrileños Balbarda y su Vía de la Plata, y sobre todo la de los jerezanos de La Jambre.

Entrados ya en harína, la jornada del viernes tenía un nombre propio, el de Flook!, por fín los irlandeses iban a pisar el Escenario Estrella de Galicia, tras ser uno de los grupos más solicitados por el público del Festival. La baja por maternidad de Sarah, hizo que el concierto fuera más especial todavía, ya que la presencia de Michael Mcgoldrick a duelo con Brian Finnegan, lo hicieron único. El resto de la noche estuvo protagonizada por Eric Rigler & Bad Haggis, que venía precedido por la aureola de ser “El gaitero del Titanic”, y el debut en La Alameda de Pepe Vaamonde y su grupo.

Como siempre, la jornada del Sábado es la que más público atrae hacia Ortigueira, con una programación, en teoría, encabezada por el músico vasco Kepa Junkera, y la presentación de “hiri”. Finalmente, fue el Bagad de Kemper, el que se ganó por méritos propios, el ser el triunfador de la noche con su espectáculo Sud ar Su, en el que contaron como invitada a una integradísima Susana Seivane. Está claro que la presencia de Kroke en la programación de este año, era una auténtica apuesta personal, y es que la expectación que lograron los de Cracovia, es la de los grandes grupos. Muy buen concierto, aunque un poco desubicados, ya que mantener la atención con su estilo para el peculiar estilo que acreditan, en un Festival como Ortigueira es muy complicado. Cerraron la noche Daniel Bellón & Diego Maceiras + Álex Blanco, demostrando que Galicia tiene el futuro asegurado.

La jornada del Domingo es a mi entender la mejor para disfrutar de la música, ya que las fuerzas ya flaquean, y mucha de la gente que ha llenado durante anteriores jornadas, ya no está. Desde el llenazo del concierto de Rosa Cedrón, quedando fuera del Teatro Beneficencia, muchas personas, hasta los conciertos de Milladoiro, Dervish y el cierre con Mercedes Peón, hicieron del Domingo una vez más la mejor jornada.

Los históricos Milladoiro ofrecieron lo que la gente les pedía, un repaso de todos sus clásicos. El público estuvo con el grupo de principio a fin, desde la expectación inicial hasta la fiesta final.

Tras el fiasco de Eurovision, Dervish llegaba a Ortigueira. Creo que no se le escapa a nadie decir que los irlandeses poseen uno de los mejores directos, en cuanto a Música tradicional Irlandesa se refiere.

Los días de fiesta llegaban a su fin con la presencia de Mercedes Peón. Con un inicio de concierto muy personal, pronto la gallega se metió al público en el bolsillo con De Seu, y la llegada del espectáculo con el sacho en Isue.

Fuera del plano musical, es necesario dar un pequeño toque de atención, en cuanto a la acampada, que se está convirtiendo en una especie de territorio comanche, en el que los excesos, los robos, y este año unos molestos megáfonos, hicieron del algo insufrible. Si esto sigue por estos cauces, puede suponer el fin (si no lo ha supuesto ya), de todo lo que el espíritu de Ortigueira supone.

Para los interesados, reservar las fechas del 10, 11, 12 y 13 de Julio de 2008.

Texo Y Fotos Por Javier Glez Cachafeiro, León 12/09/2007

Ghaita Depedra: Folk Desde Lugo

2007-09-10T20:44:00.000+02:00

HISTORIA
Ghaita Depedra inicia su andadura "oficial" un 11 de septiembre de 2001, cuando Oscar Iglesias propone a Jose Varela, Lourdes Armesto y Jose García juntarse para tocar en un festival benéfico algunas piezas, entre las que estaban algunas versiones de temas tradicionales y otras de Jose y de Oscar. El nombre que se adopta es el de Ghaita Depedra, nombre que usaban Jose y unos colegas que se juntaban en el desván de su casa a modo de broma (o notanto) hacía ya unos años. Visto que no había salido mal deciden montar un repertorio algo más amplio y tocan en el Pub Clavicémbalo de Lugo.
Posteriormente, y para otro festival debido a la ausencia de Lourdes hablan con Pablo Condo con la excusa de sustituirla, aunque ya estaba en la mente del grupo su incorporación. Más adelante se incorporan al grupo Iván Pérez al acordeón y Luis Rodil a la gaita y a la flauta, y graban una maqueta con Isaac Palacín, la cual no llegó a ver la luz ya que por motivos profesionales Oscar Iglesias y Jose García primero e Iván Pérez después deben de dejar el grupo. Después del paso de un par de músicos se incorpora definitivamente a la guitarra Xabi Fernández, para dar forma definitiva a Ghaita Depedra. A lo largo de su trayectoria han hecho actuaciones además de en Lugo (Ultima edición del festival de Pardiñas), en A Coruña, Santiago (Teatro Principal), Asturias (Villanueva de Oscos, Navelgas, Grandas de Salime).

COMPONENTES
Jose Varela: Nace en Lugo en 1972, comenzando sus estudios musicales a los siete años. Con posterioridad descubre la música folk y empieza a trabajar autodidácticmente, y es cuando entra en el grupo lucense Reviravolta. Posteriormente pasa por grupos como Xarín Gaiteiros do Incio y Nus. Además de estudios clásicos ha realizado estudios en el Conservatorio de Música Tradicional y Folque de Lalín, donde estudia gaita, percusión tradicional y zanfona. En la actualidad esta matriculado en la UP de Vigo donde estudia
violín tradicional y zanfona. En Lugo da clases de violín tradicional y folk en la Asociación Cultural Cántigas e Frores. Pertenece al grupo de cantareir@as de dicha asociación y desde noviembre de 2006 pertence a la orquesta Folk Sondeseu, Además es miembro del grupo lucense Cantatí.

Lourdes Armesto: Comenzó con baile tradicional en la Asociación cultural Cántigas e Frores de Lugo a los 17 años, para posteriormente ser miembro fundador del grupo lucense Reviravolta, con los que graba el disco "O Miño nonpasa por Escocia". Actualmente forma parte del grupo de cantareiras de la Asociación Cultural Cántigas e Frores de Lugo y del grupo lucense Cantatí.

Pablo Condo: Nace en A Coruña en 1980. Toma contacto con la percusión folk en un curso impartido por David Otero en Lugo, en donde aprende a tocar el bodhran.
Ha hecho colaboraciones con Verdegaia y con Sete Raposos Mortos. Actualmente imparte clases de bodhran en A Coruña.

Luis Rodil: Es natural de A Fonsagrada , donde empieza a tocar la gaita con Pepe Vaamonde y la flauta travesera con Cándido Díaz. Además ha realizado estudios clásicos de flauta travesera en los conservatorios de Lugo ySantiago de Compostela.. Ha tocado en grupos como Os Gurumantes y los asturianos Cádaba, y en la actualidad también es miembro del grupo lucense Reviravolta. Actualmente es profesor de flauta travesera en el conservatorio de Viveiro y en las escuelas de música de Ribadeo, Burela y Meira.

Xavi Fernandez: Nace en Lugo el 22 de febrero de 1982. Comienza a tocar la guitarra a la edad de 10 años. A los 14 años comienza sus estudios de guitarra en el conservatorio de música de Lugo, en el aguanta tres años como buenamente puede. A los 18 años forma parte del grupo "La posada del fracaso" en cual interpretaban versiones de Joaquín Sabina. Pocos años después un grupo de aficionados a la música que formaban parte de la asociación "O trasniño do bosque" forman el grupo "Verdegaia" en el cual se introduce de lleno en la música Folk. Actualmente oposita a maestro de música y forma parte del dueto "Xavi & Benja" en el cual interpretan versiones de música de autor. Forma parte de "Ghaita Depedra" desde noviembre del 2005.

LA MÚSICA
El grupo Ghaita Depedra se fundó con la idea de difundir e interpretar una particular visión del estilo de música Folk en base a una raíz gallega, ya que es la influencia musical predominante en una formación integrada por músicos de Galicia. El conjunto desarrolla en su repertorio temas de composición propia basados en ritmos tradicionales, tanto los predominantes gallegos como de otras zonas con profunda tradición musical como Irlanda o el Este de Europa. Asimismo, trabaja también arreglos de creación propia sobre temas tradicionales, a fin de conseguir la interpretación correspondiente al criterio del grupo.

¿CÓMO SON VUESTROS CONCIERTOS?
Los conciertos de Ghaita Depedra pretenden ser en todo caso bastante variados en lo musical. Los ritmos gallegos abren y cierran siempre nuestros conciertos, por aquello de que antes de iniciar el "viaje musical" que "perpetramos" sepamos de donde venimos y donde queremos volver. Una vez que la gente reconoce las primeras piezas como ritmo conocido y familiar, iniciamos una fase de lo que podiamos denominar viaje musical por
las influencias de otras músicas tradicionales de otros países. También adaptamos temas tradicionales a ritmos menos habituales de los que normalmente están escritos, o simplemente a la hora de recoger temas, en vez de irnos a 6 x 8 elegimos 5 x 8, que también existen en Galicia, pocos, pero muy buenos. Esta parte del concierto es quizás la mas extraña de cara al público, porque nuestro nombre "Ghaita Depedra" suena de entrada a grupo Folk o tradicional, y es por eso que la gente se sorprende bastante al ver la extraña combinación instrumental o los juegos ritmicos que el inagotable cerebelo
del Sr. José (Violín y Zanfona) propone. Eso si, también somos conscientes que la gente debe acabar con alegría y acompañandonos, por eso siempre procuramos volver a nuestra tierra hacia el final del concierto para que la gente finalice el viaje con alegría.

PANORAMA FOLK EN LA GALICIA ACTUAL
(Una pregunta que podría ser el título de una tesis doctoral!!)
El Folk en Galicia tiene actualmente el mejor nivel que ha existido jamás. Goza de una salud increíble ya sea en su música mas tradicional, o las fusiones que tan buen resultado dan. Tenemos los que seguramente son los mejores grupos de España, nos
proyectamos con éxito de cara al exterior, cada dia surgen ideas nuevas, y nos estamos acostumbrando a cuidar nuestra cultura y música tradicional a través de muchos grupos, y saber entende la fusión de nuestra tradición con otras, ambas cosas básicas en una correcta armonia de la evolución musicalen Galicia. Por si fuese poco, asistimos al auge de los festivales y fiestas Folk, cada vez con mas demanda de público, y cada uno diferente al otro, cada festival pretende transmitir una cosa, como deciamos antes, o bien tradición, o bien fusión, o bien ambos, o ninguno.tenemos de todo, como en botica!
Y por ultimo, algo importantisimo, la formación. Es increíble el nivel altisimo de formadores que hay en toda Galicia, para casi cualquier instrumento. Gente que sabe mucho y sabe transmitirlo, mas alla de consevatorios clásicos. Tenemos nuestro propios centros de enseñanza de instrumentos tradiconales gallegos, donde aprendes a dominar tu instrumento a tan buen nivel, que luego uno elige hacia donde quiere ir, pero siempre en base a una educación tradicional. Es sin lugar a dudas el pulmón y el corazón del tremendo nivel actual del Folk en Galicia. Solo cabe un "pero", quizás se hecha en falta la enseñanza reglada de instrumentos tradicionales mas allá de estudiar Gaita. ¿Por qué igualmente que se tiene titulo de grad medio o superior de Gaita, no se puede obtener
de zanfona, de percusión tradicional gallega, de requinta tradicional o de acordeón diatónico? Hacia eso nos encaminaremos seguro ya que el nivel actual es tan alto que mucha gente ya vive solo de saber tocar estos instrumentos, y mas que habrá, por tanto seguro que en un futuro podrán ser parte de la enseñanza reglada y oficial. Esperemos que así sea, porque es algo que ya ocurre en lugares como por ejemplo Suecia con su Nikelharpa.

El Disco IV: Red Metal De Javi Cánovas

2007-09-04T11:33:00.000+02:00

"El último cd se llama "Red Metal". Es todo menos un disco conceptual en el que, sin embargo, distintas ideas orbitan en torno a un concepto básico que consiste en traducir multitud de experiencias musicales a un lenguaje que respete lo puramente electrónico. Es el más diverso de los trabajos que he hecho. Contiene temas con estructuras y melodías muy sencillas, temas ambient, y otros con un sabor más clásico.

Son doce temas en los que alternan las secuencias con los de ambient, pero predominando las secuencias. Casi siempre está presente alguna melodía. Algunos siguen la estructura A-B-A intercalando algún solo o alguna variación. El desarrollo en otros toma diversos caminos pero respetando la coherencia interna de una idea previamente expuesta.

He vuelto a introducir el Rhodes en una de las pistas, aunque con un motivo esta vez más sencillo que en "Missing Autumn" ("Strange Vision"). Este motivo se pierde hacia al final en una parte experimental en donde sólo manipulo ruidos. Esto contrasta con otras canciones, en donde la tonalidad es clarísima y, tanto las secuencias como las melodías, poseen un cuerpo y desarrollo claramente reconocibles. Se trata de motivos fácilmente memorizables. Otros, sin embargo, no son tan evidentes y fluyen entre lo tonal y lo atonal.

En general expongo a lo largo de estos doce temas, múltiples ideas que últimamente me han inquietado traducidas a un lenguaje directo y sin ambages." Javi Cánovas (24 de Agosto 2.007)

El Disco III: Nebula De David Salvans

2007-09-01T16:39:00.000+02:00

NEBULA

Hay un Mundo, un Espacio, una Realidad

Hay un Camino, un Trayecto, una Dirección

Una Dimensión sin Tiempo, ni Espacio

El Encuentro con el Silencio más Sonoro

El Encuentro con la Oscuridad más Radiante

El Encuentro con el Reino de lo Eterno

Más allá de tu Cuerpo... Más allá de tu Mente

Escucha... Cierra los Ojos y simplemente: Siente

Nebula, la Música que te Conducirá Dentro

NEBULA – 1997 (editado en el 2006)

En esta ocasión David Salvans nos invita a un viaje por el mundo de los astros: Nebula, el reino de las nebulosas, espacios infinitos y agujeros negros. Música ideal para abandonarse a nuevas galaxias sónicas repletas de paz y serenidad.

Este proyecto consta de tres piezas de larga duración que incitan a la introspección y a un relax absoluto. Lejos de la música a que nos tiene acostumbrados, Nebula es una obra carente de ritmo e incluso melodías. Es un trabajo de música planeadora y atmosférica con climas cálidos y otros llenos de misterio.

"Una fantástica odisea que te transporta y conduce hacia parajes prácticamente desconocidos y, quien sabe, tal vez no muy lejanos". David Salvans (24 de Agosto 2.007)

Instrumentos Tradicionales III: Trikitixa (Pais Vasco)

2007-08-29T17:14:00.000+02:00

Hoy en día y por general se le denomina trikitixa al acordeón diatónico.
La primera mención escrita sobre el acordeón diatónico data de 1889.
No está tan claro de dónde proviene y se extiende. Existen dos teorías ante esta cuestión. Según la teoría con mayor aceptación, este instrumento llegó de manos de los trabajadores de los Alpes (franceses e italianos) que vinieron a construir el ferrocarril.
La trikitixa pronto ocupó un lugar importante entre los instrumentos que interpretaban el repertorio de la música popular.
El repertorio de la trikitixa está estrechamente vinculado a las piezas de baile.
La trikitixa quedó vinculada al entorno rural, a la romería.

Foto: Grupo Vasco de Música Folk Korrontzi con Trikitixa (Agus).

El Disco II: Maria La Presencia Luminosa De Juan Carlos Garcia

2007-08-27T20:47:00.000+02:00

Nuevo album musical de Juan Carlos García en una edición especial digipack tríptico de lujo que contiene la música que el compositor ha realizado para la famosa obra escultórica de Guido Dettoni della Grazia llamada "MARIA", la cual se expone en muchas iglesias y recintos de Italia, Francia, España, Portugal, Alemania, el Vaticano, etc. Además, este disco contiene toda la música de su anterior album "The Luminous Presence" (La Presencia Luminosa), con nuevos arreglos y orquestación, y remasterizada digitalmente con la más alta resolución. Todo un pack de música sacra de la Nueva Era. Juan Carlos Garcia (27 de Agosto 2.007).

Sergio Moure: Musicalizando Imágenes (Entrevista 22-02-2006)

2007-08-20T12:15:00.000+02:00

¿Cuándo y cómo nació tu interes por la música?

Mis padres son muy aficionados a la música, así que desde pequeño ya la compartían conmigo y yo me quedaba extasiado escuchándola. Cuando tenía 7 años llegó un día mi padre a casa con una pequeña guitarra que le había tocado en un sorteo, la cogí y me fascinó el sonido que salía de ella. Desde ese momento el prohibirme tocar la guitarra se convirtió en el único castigo efectivo que mis padres podían hacerme.

Estudiaste solfeo, composición y harmonía en el aula de música moderna y jazz del conservatorio del Liceo de Barcelona. ¿Por qué te decidiste por el campo de las bandas sonoras pudiendo elejir otros campos de la música?

Probé en el conservatorio de la Coruña pero el método que había me parecía obsoleto. En esos días un amigo me habló del Aula de Música del Liceo y el método que seguían, que éra el de Berklee college de Boston, me pareció muy moderno e interesante y allí me fui. Estudiando música mis compañeros y profesores comentaban el carácter visual de mis composiciones y a mí me apasionaba contar historias con la música; así que contacté con el SCAC y el CEEC, las dos escuelas de cine de Barcelona, porque el cine era mi segunda pasión en la cual yo quería empezar a trabajar, y además de colaborar en cortos también empecé a dar clases de música aplicada a la imagen y poco a poco me introduje en el mundo de las bandas sonoras.

Empezaste haciendo la música para cortometrajes. Háblanos de esta faceta.

Fue mi primer contacto con las bandas sonoras, paso indispensable e irremediable para aprender a musicar imágenes, ya que el hecho de saber música no te capacita como compositor de bandas sonoras, hay que ejercitar la capacidad de moldear las emociones del espectador a través de la música e intentar conseguir el tono emocional que cada película requiere. Colaboré en varios cortos como compositor y como director musical hasta que , por fin, llegó mi primer largo.

¿Existe alguna diferencia (aparte de la duración) a la hora de trabajar para un corto o para un largo?

Las dos cosas si se hacen bien tienen su complejidad, lo que ocurre es que un largo implica generalmente trabajar con grandes formaciones orquestales, con mucho más presupuesto, e indudablemente con más presión ya que generalmente en un audiovisual de hora y media o dos horas la responsabilidad narrativa reposa mucho en la música, que tiene la obligación de enlazar tramas y subtramas ayudando a que el conjunto final tenga la coherencia necesaria.

Tu salto al mundo del largometraje llegó con "Inconscientes" de Joaquín Oristrell. ¿Cómo se produjo este contacto?

Me enteré por un amigo que iba a impartir un curso de guión en una Universidad de Barcelona y sin pensarlo dos veces irrumpí en su clase para hablar con él y presentarme. Le conté mi deseo de dedicarme profesionalmente a componer bandas sonoras para el cine y el me recomendó trasladarme a Madrid ya que en ese momento estaba el cine más centralizado que ahora. Ya en Madrid me dediqué a recorrer productoras y seguí mi contacto con Joaquín hasta que un día me ofreció el borrador de su nuevo guión y me invitó a hacerle una propuesta.

Y menudo salto: Nominado en el año 2.005 a los Goyas.
Pues si, primer largo, primer nominación a los Goya, sorprendente, no me lo podía creer.

¿Qué se siente en una ceremonia de este tipo?

Para mí la nominación ya fue un gran premio. En la ceremonia estaba tranquilo porque pensaba que la gran favorita se lo llevaría, como así fue.

Al final el Goya por mejor banda sonora se lo llevó Amenábar. ¿Qué te parece el Amenabár compositor?

Es un director con una gran intuición musical que conoce muy bien cuales son los resortes emocionales de la música y como utilizarlos.

Cada vez es más importante la figura del orquestador en el mundo de la música para el cine. Es como el brazo derecho del compositor. ¿Por qué crees que sucede esto?

Unas veces por tiempo y otras por la mecánica de trabajo, o por ambas razones a la vez ,es bueno rodearse de personas como orquestadores o copistas para hacer que el trabajo se agilice. En mi caso cuento con Ernesto Briceño, gran profesional que conocí en Barcelona, y que con su buen criterio y actitud siempre constructiva enriquece mi trabajo aportando puntos de vista en una labor tan solitaria como es la composición.

Con Joaquín Oristrell también has trabajado en la serie de televisión "Abuela de Verano". ¿Es este el principio de una gran colaboración?

Joaquín es un gran profesional y a la hora de trabajar deposita su confianza en mí y me deja el espacio necesario para que pueda desarrollar mi trabajo cómodamente, tenemos sensibilidades muy coincidentes en el apartado musical lo que hace que trabajar conjuntamente con él se convierta en una labor a la que siempre le queremos dar continuidad.

Componer para una serie supongo que será mucho más laborioso ¿no?

En el caso de “Abuela de Verano” dediqué mucho tiempo a encontrar el motivo musical ya que en una producción para televisión y en prime time como fue esta la audiencia es la que manda y eso afecta a la hora de decidirte entre varias posibilidades. En una serie normalmente la música no es sincronizada porque hay poco tiempo para hacerlo y mientras compones en un estudio están montando el material que te han pedido para las diferentes situaciones que se dan en la serie.

¿Cómo trabajas?

Me gusta empezar a trabajar con el guión, es el primer contacto con la historia que voy a musicar, ir al rodaje para tener más información sobre como y de que manera se desarrollará la acción, y luego ya viene el montaje definitivo que es cuando tengo una reunión más larga con el director y donde se comenta en profundidad la película y se intercambian opiniones sobre los puntos en donde irá insertada la música. Después mi labor se desarrolla en mi estudio hasta que llega el momento de grabar la banda sonora.

Por desgracia, cada vez más compositores son despedidos de una pelicula por desacuerdos con sus directores. Normalmente ya no contais con muchos dias para trabajar pero cuando estos despidos se suceden el nuevo músico contratado aún dispone de menos dias. ¿Trabajais bajo presión?

En el cine siempre se suele trabajar bajo presión, concretamente en España los compositores no solemos tener más de 2 ó 3 meses para componer las bandas sonoras, de los cuales las dos últimas semanas suelen ser de infarto ya que hay que ajustar cosas, retocar la orquestación y asegurarse de que las partituras que leerán los músicos en la grabación sean correctas.

¿En que estas trabajando actualmente?

En estos últimos meses he estado trabajando en CARGO conjuntamente con Stephen Warbeck cuya colaboración ha resultado ser tremendamente enriquecedora , ha sido un cambio muy radical con respecto a la banda sonora de INCONSCIENTES ya que la música tenía que ser realmente claustrofóbica. En estas semanas estoy ultimando la banda sonora de ECOS, tv movie dirigida por Oriol Paulo, un joven director con mucho talento y con una gran cultura musical con el cual me ha resultado muy fácil trabajar y que ya está escribiendo un guión para la gran pantalla que dirigirá a finales de año.

¿El futuro?

A raíz de la buena relación que entablamos Stephen y yo, tras haber colaborado en la banda sonora , estamos trabajando en una suite orquestal de CARGO que tenemos pensado presentar a finales de este año en un concierto con la Real Filarmonía de Galicia. También estoy preparando un proyecto para la Discográfica Sony y pronto comenzaré un largometraje.

Sondeseu: Una Charla Con Xulio Abal

2007-08-16T00:09:00.000+02:00

Violines, gaitas, zanfonas, arpas...¿por qué estos instrumentos y no otros?

Pués por muchos motivos: primero por que Sondeseu surgió a raiz del Conservatorio de Música Tradicional de la Escuela de Artes y Oficios de Vigo y esos eran los instrumentos que se impartian y por lo tanto los disponibles y, en segundo lugar, por que todos esos instrumentos forman en mayor o menor medida parte del acervo cultural musicológico gallego y por lo tanto son los adecuados para formar una formación de este estilo.

Tu perteneces a la sección de arpas. Esta sección la dirige Rodrigo Romaní. ¿Cómo es el trabajo con él?

¡Una gozada a todos los niveles! Rodrigo es de esas personas que hace que tu te exigas mucho sin él exigirte nada. Te hace el trabajo muy fácil, te apoya cuando estás con cualquier dificultad y te orienta como salir del problema...en resumen: te lo pone todo muy fácil.

Hace poco fuisteis, junto a los británicos Flook, los encargados de cerrar la 1ª edición del festival Vigofolcelta. ¿Cómo son vuestros conciertos?

Yo creo que el concierto de Sondeseu es como una especie de competición entre a ver quién se lo pasa mejor, los que estamos encima del escenario y los que estamos debajo.

¿Qué diferencias hay entre SonDeSeu y los demás grupos folk? Aparte del número de componentes...(casi 50)

jajajaja ¡pués ya es una diferencia importante! jajajaja Yo creo que la sonoridad. Sondeseu busca una sonoridad más orquestal, más llena...es una sonoridad de masa, mientras otros grupos se centran más en virtuosismos individuales o en cosas más sencillas como una melodia con acompañamiento. En Sondeseu al ser el tipo de formación que somos y el número de componentes que somos requiere equilibrar las partes, equilibrar las melodias, hacer contramelodias...somos una gran masa sonora, no somos un solista con unos acompañantes ni un grupo donde hay una percusión, un rítmico y un melódico...a veces las arpas llevamos el ritmo, otras veces la melodia.

Texto y Fotos (c) Manuel Lemos Muradás 14/08/2.007

El Concierto III: Flook

2007-07-30T15:42:00.000+02:00

"El viernes 27 de Julio (y después de 4 dias) llegaba el final de la 1ª Edición del Vigofolcelta que, al igual que en el 1er dia, tenia como escenario el ya clásico y bellisimo Parque De Castrelos. Los encargados de tal honor fueron en primer lugar el amplio grupo vigués SonDeSeu y, después, los británicos Flook, un grupo al que conozco desde hace años y con los que por fin pude estar cara a cara. Esta es la crónica:
Sobre las 15:30 h llamé por teléfono a Ed (el guitarrista) para concretar nuestro encuentro (que incluiría una entrevista). Estaban de camino desde A Coruña a Vigo después de llegar en avión desde Inglaterra a la ciudad de la Torre De Hércules. Quedariamos sobre las 17:30 h que es cuando tenian ellos la prueba del sonido. Con él viajaban Brian (Flautas) y John Joe (Bodhran) además de Marcos (de Oviedo y su representante en España) y Luis, el ayudante de este. A las 17:00 h cojí mi mochila cargada con la grabadora, la cámara de fotos y el guión para la entrevista y me desplazé a Castrelos, un trayecto corto ya que dicho parque no queda lejos de donde vivo. El tiempo inmejorable: soleado y caluroso pero sin agobiar.
El escenario del Parque De Castrelos tiene una zona que lo rodea al que puedes asistir a los conciertos sin pagar y junto a un fantástico grupo de verdes y enormes árboles que llenan cada evento de frescor y dulces brisas. Me senté alli a la espera de ver a los integrantes de Flook sobre el escenario. A los 10 minutos los divisé entre todos los operarios que trabajaban montando el escenario para tener todo listo para una (nueva) noche mágica. Justo en ese momento volví a llamar por teléfono a Ed que me indicó que entrase. Me dirigí hacia la puerta donde le dije al vigilante que me estaban esperando señalando al mismo tiempo al guitarrista de Flook que le hacia señales al hombre para que me dejase entrar. Después de estrecharnos la mano nos dirijimos a uno de los camerinos (hay 2) donde durante casi 20 minutos yo preguntaba y él respondia.

Pudimos seguir más tiempo (es fantástico hablar con este hombre) pero noté el visible cansancio de mi entrevistado por lo que no quise continuar. Me invitó a seguir con ellos asi que aproveché su ensayo para sacar fotos. Al terminar la prueba de sonido les acompañé en el camerino mientras descansaban un rato y se refrescaban antes de marcharse al hotel para relajarse y cenar. Fué ese un momento muy íntimo donde incluso Ed me mostró unas fotos con la niña de Sarah (ella es la cuarta parte del grupo tocando flautas y acordeón) que hacia 5 meses que habia nacido por lo que la madre no los podia acompañar en la gira. También tengo que destacar la persona de Luis, muy pintoresco (como podeis ver en la foto) pero un gran tipo.

El concierto de Flook comenzó a las 00:30 h (45 minutos de retraso del horario que me habian ellos mismos dado) y enseguida se metieron al público en el bolsillo contandoles desde que habian cenado "de puta madre" hasta regalandoles cd's por acertar el dia del cumpleaños de John Joe a lo que la gente les respondió cantandole el cumpleaños feliz en castellano. El show duró unos 90 minutos y al finalizar y mientras yo les esperaba para despedirme vi como mucha gente los aguardaban para fotografiarse con ellos y pedirles autógrafos. Una vez más volvieron a enrrollarse con los fans regalando más cd's. Eran las 3 de la madrugada cuando me despedí de ellos. Flook ya son más que un e-mail que va y otro que viene" (c) Texto y Fotos: Manuel Lemos Muradás.

Jiannis: El Músico Enigmático

2007-07-15T01:18:00.000+02:00

Eres un hombre muy enigmático. Apenas hay información de ti en internet. ¿De donde eres? Haznos una pequeña biografia musical. Musicalmente hablando tampoco tienes muchos discos publicados. ¿Continuas haciendo música? Hablanos algo de lo que haces actualmente.

No pienso que sea un hombre enigmático. Tengo 39 años y vivo silenciosamente con mi familia aquí en Alemania. Soy Griego (saludos a Vangelis y a Yanni). Estudio música en Alemania y soy un músico de piezas clásicas (el especialista de música barroca para teclado y órgano). Soy un organista de iglesia y el conductor de varios coros (de iglesia y gospel). Trabajo en la escuela como pianista y profesor de música, también. Soy compositor de música avantgarde. Hace 20 años comencé a tocar música electrónica. Me gustaron los sonidos transcendentales de secuencias hipnóticas con muchos ecos. Realmente me gustaron los tempranos trabajos de TD Y KS con sus infinitas piezas largas. Era algo nuevo para mí dejar las arquitectales formas de organizar una pieza clásica o una canción pop de 3 minutos. Era interesante tener un sentimiento para perderse en la esfera musical, perder el sentido del tiempo y el espacio, entonces decidí
averiguar yo mismo como realizar esta música. El resultado fueron estos álbumes. Hice muchas piezas.

En 1.997 se publicó tu disco Plugged; En 1.998 Nightsessions. Ambos discos contienen piezas largas (alguna dura los 30 minutos). ¿Cómo fué la creación de estos dos discos?

La creación de esta música fue simple: solamente programar algunas secuencias (los ritmos básicos) y acompañarlas con melodías. El desarrollo de las secuencias tomó mucho tiempo (entraron y salieron partes) entonces las piezas tienen una longitud de 30 minutos. Seguramente haré muchas piezas cortas, pero son difíciles porque necesitan una forma de componerse específica.

En un concierto, delante de la gente, para concentrarte ¿Qué haces?

Cuando toco delante de la gente me concentro en mi música. Podría haber una situación en la que olvido a la audiencia. Mi música en vivo viene del silencio. La audiencia solamente se sienta y escucha. Cada uno se sienta y escucha solo para él. No soy el indicado para actuaciones estimulantes.

¿Crees que los sintetizadores digitales consiguen imitar los sonidos de los analógicos?

No pienso que el software pueda imitar a los sintetizadores analógicos aunque el sonido sea el mismo. La creatividad directa con controladores y reguladores no puede ser hecha con un ratón de pc de la misma manera. Pero es más fácil tener 20 simuladores analógicos en el ordenador portátil que tener 20 sintetizadores sobre el escenario.

En 1.999 publicaste junto a Lambert el disco titulado Timeless Vision. ¿Cómo se produjo esta colaboración?

El trabajo con Lambert fue un proyecto interesante. Improvisar tales piezas largas sin hablar sobre la forma y la armonía era una experiencia interesante. Solamente escuché lo que Lambert hacia - seguirlo y aprender - pero encontrando la misma atmósfera ... es necesario para un músico encontrar nuevos caminos para las improvisaciones.

¿Te gustaria volver?

Después de 20 años sin hacer música electrónica sería interesante averiguar si yo puedo hacerla otra vez. Sería agradable hacer un nuevo proyecto electrónico. ¿Por qué no?

Foto: Lambert (c) 1.988

La Cita II: Sónar 2.007 (Según El Sello Mexicano Abolipop Records)

2007-07-03T17:12:00.000+02:00

Sónar 2007, entre altas dosis de ruido, hip-hop, techno y bakalao. Por Israel Martínez

"Es la catorceava ocasión que el festival barcelonés Sónar se lleva a cabo, una festividad enorme que divide sus actividades en diurnas y nocturnas, y si de por sí a Sónar de Día asisten miles de personas, ahora piensa en la cantidad estratósferica que alcanza Sónar de Noche, en donde el baile y la fiesta son los ingredientes principales.

Como todo gran festival y como cada Sónar, tiene sus pros y sus contras, horarios entrecruzados de artistas que te interesan, servicios que no ajustan para las masas, algunos artistas que no dan el ancho para un evento de tal magnitud, etc. En contraparte puedes escuchar sets irrepetibles ya que para un artista no es de diario tocar en Sónar así que suelen mostrar su mejor faceta en vivo, conocer estéticas o tendencias que van a la punta, socializar con tus artistas favoritos sin tener que andar de “lamebotas” como solemos hacerlo en México, hacer relaciones – negocios o comprarte muchos discos y souvenirs.

En esta edición la apuesta de Sónar de Día ha beneficiado a los músicos relacionados con la improvisación y el ruido, mostrando algunas de las propuestas más radicales e intensas del orbe, como es el caso de Sunn O))), que a estas alturas ya se habrá llevado reseñas de todos los medios nacionales e internacionales por el conmocionante set que ofrecieron el viernes 15. Dentro de una atmósfera grisácea una voz que multiplicaba sus oraciones daba la bienvenida a un ritual en donde black metal y electroacústica comulgaban, quién lo diría, una de las corrientes más extremas y atrevidas del metal y la exploración acústica del sonido. Primero una guitarra intervinó, cuando la segunda entró aquello ya era cuando menos el limbo, pero no tardó mucho en convertirse en un gran infierno, dañino, perverso. Las descargas eran contundentes, la voz rabiosa, la distorsión, el feedback, las bocinas sufrían y la audiencia también, aunque muchos habían caído en trance, algunos levantaban sus manos extasiados. La experiencia duró alrededor de una hora y cuarto, siempre al borde, nunca pasiva. Sunn O))) es de lo más fuerte que puedes encontrar en vivo en todo el planeta, a los asistentes nos quedo bastante claro y ahora es sencillo de explicar, pero no en el momento ni horas después. Creeme, cualquier grupo de death metal suena melódico y romántico en comparación.

Otros excelentes conciertos de música experimental fueron los ofrecidos por las organizaciones Supersonic y No Fi, de Inglaterra, quienes hicieron un showcase con Black Galaxy (que incluye un ex miembro de Napalm Death, te dice algo?), Burning Star Corner – quien increíblemente improvisó con violín, feedback y voz – y Jazkramer. El performance de Buddha Machine de los chinos FM3, tan esperado en Sónar, resultó un tanto decepcionante debido a la falta de amplificación que sufrieron los buddhas machine y que la gente hablaba como si estuviera de picnic, situación que se repitió bastantes ocasiones en Sónar de Día y sus distintos foros. Sin embargo FM3 se sacó la espina con el show que ofrecieron al lado de Blixa Bargeld, mítico cantante e instrumentista de Einsturzende Neubauten y The Bad Seeds, un set de mantras y esquizofrenia, adrenalina pura y minimalismo.

Clark del sello Warp, fue el único que mostró que el IDM aún tiene vida, conjugando break beats, glitch, sintesís juguetona, melodía, potencia y una batería en vivo; como todo buen nerd la presencia escénica y la actitud deja mucho que desear pero el sonido lo compensa. Desde Japón llegó Piana para endulzar el Domo de Sónar con sus sonidos melancólicos y una voz excelsa, además de una invitada en el chelo, ensoñador!. Los estadounidenses Wolf Eyes que tanta expectación han causado fueron un poco decepcionantes, tocaron tan sólo treinta minutos y amplificaron demasiado su presentación al grado de que era muy violento para el oído, mucha gente salió y la que quedó tuvo que lidiar con eso, aún así tuvieron buenos momentos de suma agresividad.

Los que sufrieron bastante fueron Junior Boys, quienes apenas con dos o tres canciones lograron conectarse con el público y más bien dejaron una desazón, con una batería que poco aporta en vivo y un integrante encargado de la electrónica sumergido en quién sabe donde menos en el concierto. El vocalista siempre tratando de rescatar el barco y cantando bastante bien y con aires diferentes al disco, al final un concierto sólo para fans.

Sónar de Noche es como una gran gran rave, o una kermesse fuera de serie en donde la música principalmente tiene que ver con los sintetizadores o las computadoras. Este año hubo cosas diferentes como los geniales Mogwai, quienes tocaron casi hora y media un set que llegó a niveles muy altos, rozando sin problema alguno el cielo. Cornelius también logró un directo increíble con sus acostumbrados cambios radicales en sus canciones, una sincronización de video inmejorable y una atmósfera pop contagiosa que dejo en claro lo grande que es el proyecto en vivo así como en disco. Los Beastie Boys dieron el concierto más masivo del festival, con miles de fans coreando cada uno de los temas, al final una selección de canciones que no dejo que fluyera bien la presentación, aunque claro, con energía y una intensidad muy característica de los chicos blancos del hip-hop.

Creanlo o no, pero Calle 13, el reggaetonero, estuvo en Sónar de Noche, teniendo como invitado al mexicano Toy, ex Control Machete, la verdad es que sonó bastante bien, con una propuesta mucho más estilizada en vivo, aportaciones interesantes de los instrumentistas, potencia y perreo, lamentablamente les cortaron el tiempo y no pudieron tocar su set normal, pero seguro que en poco tiempo serán una bomba en Europa. La Mala Rodríguez ofreció un concierto interesante, mostrando la buena salud del hip-hop español, lo mismo que el inglés Dizze Rascal, quien sumó varios puntos con unos beats bastante rudos.

Kode 9, Skream y Spacek desde Inglaterra fueron los embajadores del dubstep, el género que ya contagió Europa y que difícilmente tendrá peso en México, una propuesta que fusiona el hip-hop, los break beats y el dub con mucha intensidad y un poco de mala leche. Grande lo que presentaron estos 3 productores y dj´s. Justice dejo en claro el gran momento por el que pasa, con disco nuevo bajo el brazo y un buen número de sencillos para la pista de baile, miles de personas lo atestiguaron.

Fangoria hizo de las suyas nuevamente, convocando al público casi todo español a disfrutar de su bakalao – synth pop, con mucha giña trance y ese rollo travestí que tanto gusta. Mientras que otros clásicos en Barcelona, aunque más serios, claro, como Jeff Mills, Miss Kittin y Richie Hawtin no bajaron la guardia y encendieron a la multitud con sus mezclas, en especial excelente el set de Hawtin, como tenía que ser.

En Sónar de Día pudimos apreciar de varias instalaciones, programaciones musicales a la carta, funciones de cine experimental y otras obras del mundo digital. Además hubo un concierto especial el L´Auditori con Mira Calix y una pianista, y como estelares Tristano y el mexicano Murcof, quienes tuvieron muy buenas reseñas. Por cierto, una semana antes había visto en vivo a Murcof en Londres y fue realmente impresionante ver la expectación que causa una presentación de Fernando Corona, con un público que conoce de sobra su trabajo y que espera con ansias la salida de su tercer disco este próximo otoño.

Cabe destacar la buena organización de Sónar y un excelente trato y facilidades para la prensa. Gracias a los que hacen posible Sonar, definitivamente, el encuentro del Verano para la música electrónica y anexas."

(C) Foto: Sónar, 2.007 (Agradecimientos a Luis S. Ceprián)

La Música II: La Música De Los Músicos

2007-06-26T11:46:00.000+02:00

Hace unos cuantos meses tuve la idea (la verdad es que siempre pensé en ello) de preguntarme que música escucharian los músicos. La mejor manera de saberlo es muy simple: preguntar. Y aquí están las respuestas. Poco a poco irán apareciendo diferentes músicos asi que no desespereis sino veis a vuestro preferido…¡tiempo al tiempo!

.Antonio Trigo:
1. J.S.Bach (Todo es bueno) pero si tengo que elegir pués digamos Variaciones Golberg, interpretadas al piano por Glenn Gould.
2. Ennio Morricone, por ejm, Cinema Paradiso. La versión interpretada por Yo-YoMa es, para mi, una joya. (Yo-YoMa Play's Ennio Morricone).
3. Por poner algo más reciente, Hans Zimmer, la banda sonora de Gladiator.

.Gandalf:
1. Loreena Mc Kennitt/The Book Of Secrets/Dante's Prayer.
2. Madredeus/O Espirito Da Paz/Destino.
3. Tim Wheater/Heart Land/The Warrior's Dream.

.Luis Paniagua:
1. Amelia Cuni. CD Monsoon Point con Al Gromer Khan.
2. Stephan Micus. CD To The Evening Child, Tema: Nomad Song.
3. Arvo Pärt. CD Alina, Tema: Spiegel Im Spiegel (Versión para Violoncello y Piano).

La Colaboración II: 17 Hippies Y Harald Grosskopf

2007-06-15T11:30:00.000+02:00

"Debio de ser alrededor de 1997, los 17 Hippies estábamos en una fiesta cuando este "gran hombre" tocó con nosotros. Con unos floreros de plástico grandes improvisó un cruce entre bongos y tambores de orquesta. Cada uno de ellos debia de medir un metro. Muy grandes pero pequeños en sus manos, como ya dije, Harald es ¡GRANDE!. Pero lo que nos sorprendió fué su versatilidad y sutileza como artista. Resultó que era un antiguo amigo de Luul, nuestro banjo, que acababa de viajar a Sudamérica.

Con Luul, nuestro "hombre para todo" fuera del pais, estabamos necesitados de una mano con nuestros ritmos (bateria y acústico). Una larga historia, Harald no tenia nada que hacer, todo fue bien con él y se quedó.

Tocamos mucho cerca de Berlin ese año, y cuando fuimos a los USA para tocar nuestra primera gira fuera de Alemania (en 1998) Harald vino con nosotros. Un sustituto se convirtió en un amigo. Algun tiempo después gabamos nuestro segundo album Wer ist das?, y en el puedes oir a Harald tocando el triángulo y otros instrumentos.

Las cosas que estuvimos haciendo no podiamos seguir realizandolas, todos teniamos nuestros trabajos diarios entonces. Harald regresó a Colonia (donde todavía sigue su base principal).

Él se fué de nuestra banda.

Seguimos en contacto con él y ocasionalmente Harald está con nosotros en eventos especiales como Sexy Ambient en Paris y el proyecto Play Guitar con Marc Ribot.

Nuestra última vez que nos vimos fue en nuestra gira alemana este abril pasado con Harald uniendose a nosotros en el escenario en Colonia." Christopher Blenkinsop De 17 Hippies

Klauss: Sonido "Berlín" Desde Argentina (Entrevista a Ernesto Romeo)

2007-06-01T22:54:00.001+02:00

01.¿Cómo nació Klauss?¿El nombre de Klauss tiene algo que ver con Klaus Schulze?

Klauss es un proyecto de música electrónica que creamos Alejandro Vazquez y yoen 1988. Nos conocimos estudiando composición en un centro cultural de Buenos Aires y, a pesar de tener una formación musical muy distinta (Alejandro tocaba canciones con guitarra y manejaba también varios instrumentos y yo estaba
interesado en el sintetizador y estudiaba piano), nos unió el gusto por la experimentación sonora, las posibilidades de los instrumentos electrónicos, la música progresiva y las distintas manifestaciones de las corrientes contemporáneas como el ambient, el minimalismo, etc. En ese momento teníamos un equipamiento muy rudimentario, un par de sintetizadores, guitarra eléctrica, algunos pedales de efectos y un grabador y usabamos cualquier cosa que hiciese sonidos para experimentar, sumergiéndonos en largas improvisaciones que fueron marcando nuestro estilo. El nombre sirgió por el actor Klaus Kinsky en la película "Nosferatu, el vampiro", aunque la asociación con Schulze y la "escuela de Berlín" siempre estuvo presente.

02.Aparte de un último CD recopilatorio teneis publicado dos discos: CielosMóviles (1997) y el doble cd Metales Perfectos (2000). Háblanos de ellos.

En realidad, hemos grabado un primer disco entre 1990 y 1991, que permanece inédito y que pronto publicaremos. Contenía solo dos temas de unos veinte minutos cada uno, en un estilo muy "espacial" y en el grupo en ese momento eramos un trío junto a Walter Alederete y Angel Castro. "Cielos Móviles" se grabó durante 1994 y 1995 y tenía temas compuestos durante la primera mitad de los ´90. Es un disco bastante ecléctico, que muestra la transición de Klauss de un repertorio más "ortodoxo" (como la suite "Acuario") a
un sonido más personal (como el de la improvisación "Cielos Móviles"). Tiene temas como el extenso "Planicies", que es un clásico de nuestro repertorio, o "Juego de las Estatuas", que es muy climático y épico al mismo tiempo. Participaron muchos músicos invitados en el disco (como Alejandro Fiori, Sebastián Mondragón y Sergio Koval) y es la transición también de un dúo de Walter Alederete y yo a la formación actual de Klauss (Ernesto Romeo - Alejandro Vazquez). "Metales Perfectos" es doble, fué grabado solo por Alejandro y yo entre 1999 y el 2000 y representa un estilo compositivo y tímbrico en el que se unen todos
nuestros intereses musicales en un sonido propio. Hay uno de los discos, el Azul, que presenta composiciones muy arregladas, como "Oscilaciones Espléndidas", "Bikinis Asesinas" y "Metales Perfectos", junto a piezas más atmosféricas como "Julio en el ring" o "Blau", todo matizado con uso de múltiples capas de sintetizadores y secuenciadores, samplers, teclados, baterías electrónicas, guitarras y percusión que combinan el ambient, el "chill out" y el trance con el rock sinfónico y la música electrónica clásica generando un disco de psicodelia progresiva espacial muy definido. El otro disco de "Metales Perfectos", el Naranja, contenía solo improvisaciones, algunas de caracter muy experimental ("Si/No", "Estacionarias", "Nosferatu") y otras cercanas al krautrock ("Klaussrock", "Movimiento Recíproco", con mucho uso de secuenciadores analógicos y Mellotron), en donde se manifiesta nuestro gusto por la composicióninstantánea y nuestra química como dúo.

03.Aunque sois argentinos ya habeis actuado en España varias veces. ¿Cómo son vuestros conciertos?

Depende del lugar, el escenario, el tiempo que dispongamos para armar el "set" y el tipo de música que tengamos ganas de hacer. Nuestros conciertos pueden ser una sola improvisación o podemos interpretar temas de nuestro repertorio o tocar con músicos invitados o combinar todo... En general, lo común a todos
nuestros conciertos es su carácter "ritual". Tendemos a estar muy concentrados y conectados y cada presentación tiene un clima especial para nosotros. Por cuestiones de producción, en algunos lugares como Nueva York, Bogotá, Barcelona o los primeros conciertos en Madrid me he presentado yo solo con
invitados; en Uruguay y en nuestro último concierto en España tocamos Alejandro y yo. Solemos elegir un equipamiento particular para cada concierto, pero es común que usemos varios sintetizadores analógicos (normalmente AKS, Moog, ARP, Oberheim, Prophet, etc. y sistemas modulares) más algunos digitales e híbridos, varios secuenciadores, baterías electrónicas (principalmente de la línea TR de Roland), guitarras, muchos procesadores y, a veces, computadoras, piano eléctrico, órgano, Mellotron, etc. Operaramos lo más posible los instrumentos electrónicos en tiempo real: lo más importante para nosotros es tocar en "vivo".

04.La música electrónica de "la escuela Berlín" siempre fué algo más europeo. ¿Cómo está el panorama de este estilo en América?

Creo que, como decís, ese estilo es claramente europeo y no ha tenido muchas manifestaciones en América Latina. En nosotros, la "escuela de Berlín" es uno de los estilos que nos ha influenciado en nuestros comienzos, pienso que no podemos definir nuestra música en esa corriente... tal vez sí sea la música de Klauss una de sus posibles derivaciones contemporáneas... También la música de Sergio Koval (argentino residente en Barcelona) tiene influencias "berlinesas", pero con su propio carácter. El término música electrónica nunca fué muy preciso y no se puede definir un estilo por el hecho de que se usen ciertos instrumentos...

05.¿Cómo veis a pioneros como Klaus Schulze y Tangerine Dream en la actualidad?

Creo que Schulze ha desarrollado su estilo a lo largo de los años, con algunas aristas interesantes. La música de Tangerine Dream se volvió bastante irregular durante los ´80 y hace años que no escucho nada interesante de ellos. De todas formas, he recibido algunos discos nuevos que aún no escuché... El último disco que me gusta de Tangerine Dream es "Underwater Sunligth", aunque prefiero "Zeit", "Phaedra", "Ricochet", "Force Majeure" o "Logos".

El Tema De Banda Sonora II: Asomate A Valladolid De Eduardo Tarilonte

2007-05-17T23:09:00.000+02:00

"El trabajo surgió a través del Ayuntamiento de Valladolid: Me llamaron directamente por que ya conocian trabajos anteriores mios. Querían una música para promocionar el turismo en la región. Opté por una melodía mágica, que fuera capaz de hacer ver paisajes.
La elección de la flauta (whistle) se debe a que en aquél momento estaba acabando una librería de samples de instrumentos celtas, que puedes ver aquí:

http://beladmedia.com/celtic-wind.htm

y aquí escuchar las demos:

http://beladmedia.com/acw-demos.htm

Todo lo que escuchas está hecho con ordenador en mi estudio.
La música salió en spots en TV1 y Antena 3."

Nota: Para descargarte este tema entra aqui.

Músicos: Paco De Lucia

2007-05-09T17:03:00.000+02:00

"Paco de Lucia es el genio de la guitarra o, mejor dicho, de la musica del siglo XX-XXI. Su discografia es irrepetible, solo hay que escuchar cualquiera de los temas de cualquiera de sus discos y sentir de verdad algo increible; eso solo lo puede hacer alguien con una sensibilidad especial y única.

Tratarlo personalmente es un privilegio, pues sorprende muy mucho por su forma de ser; sorprende a todos cuando ven la persona tan sencilla y amable que es; no ejerce para nada de mito ni presume ni ha presumido nunca de ser quién es y siempre intenta pasar desapercibido, aunque a veces le cuesta mucho poderlo conseguir; yo destaco de él, algo que también me he aplicado yo durante toda mi vida y que siempre he intentado hacer: PRIMERO SER PERSONA Y DESPUES ARTISTA". Juan Estrada (De Lucia Gestión S.L.)

Palyrria: Música Tradicional Y Electrónica Desde Grecia

2007-04-26T21:11:00.000+02:00

¿Cuándo y cómo nació Palyrria?

Palyrria como la conocemos hoy nació en 1999. Tsiko (tambores) y Doctor Aja (sintetizadores, samplers) solían tocar juntos en otras bandas y siempre querían fundar una banda con el concepto de Palyrria. Entonces un día ellos prepararon para aparecer en un lugar llamado Hypersintelikos Health Speed Club. Para hacer esto ellos tuvieron que crear una banda. Así que Palyrria nació obre el escenario cuando se llamaba ArtEm (lira, oud, laúd) para completar el trío. Palyrria realizó más de 10 conciertos en H.H.S.C. tocando improvisaciones.
Este material fue grabado, remezclado y publicado en 2001 como el primer CD de Palyrria llamado Zero Gravity.
Es gracioso pensar que nosotros tocábamos en vivo y que tenemos una grabación publicada sin haber ensayado, compuesto o cualquier tipo de creación anterior. Solamente pasó.

¿Por qué mezclais sonidos electrónicos con otros más tradicionales?

Viviendo en Grecia como músico es imposible no ser atraído por música tradicional y los instrumentos respectivos. Ninguno de nosotros es realmente un músico tradicional. Pero entendemos el poder y la magia de música tradicional. Como músicos modernos también entendemos las relaciones a veces ocultas entre la música tradicional y moderna. Al final del día hay sólo UNA MÚSICA. También sentimos que, al menos en Grecia, la música tradicional está estancada en el pasado. La gente no lo sabe, o aún peor ellos no quieres llevar esta música más lejos. Ellos prefieren tocar como sus abuelos lo hicieron, lo que hace soltar su magia a veces. Es por eso que para nosotros era muy natural tomar esta música antigua y ponerla en el ambiente moderno en el cual crecimos. ¿Hay muchas semejanzas entre la música del pasado y la música del futuro? solamente tienes que abrir tu mente y aceptarlo.

¿Cómo está el panorama de este tipo de música en Grecia?

Por suerte en Grecia hay muchos jóvenes interesados en la música tradicional e instrumentos. Es muy agradable ver a jóvenes tocando los instrumentos de sus abuelos con el mismo (si no mejor) virtuosismo. Sin embargo muy pocos de ellos tratan de traer esta música al presente. Entonces adivino que tú realmente no puedes hablar de una escena de la cual Palyrria es parte. Hay muchas bandas con una mentalidad similar haciendo sus propias cosas. La parte graciosa es que para la mayor parte de nosotros el reconocimiento y la críticas positivas vienen principalmente del extranjero. Parece que la gente extranjera tiene un mejor entendimiento y respeto para lo que hacemos, que la gente de nuestro propio país.

Hablarnos un poco de cada uno de vuestros álbumes publicados hasta el momento.

Adivino que ya hablamos de primer cd ' Zero Gravity'. Después de aquella experiencia Palyrria intenta hacerse una banda apropiada. Muchas personas vinieron y entraron en el siguiente par de años, pero hacia 2004 el corazón de la banda fue formado y llega hasta hoy. En 2004 publicamos nuestro segundo cd llamado 'Palyrria' para significar un nuevo principio en la historia de la banda. Este era un álbum de estudio apropiado que también tenía una versión de una canción tradicional llamada 'Ikariotikos'. Ikariotikos se convirtió en gran éxito en Grecia y formó parte de la lista musical de los juegos Olímpicos de aquel año. Este álbum era un gran principio para Palyrria, esto introdujo nuestra música al público del mejor modo posible. Y no olvides que esta clase de mezcla de electronica y música étnica no era tan popular entonces como es hoy. Nuestro siguiente cd fue publicado dos años más tarde en 2006. Se llamó 'Methexy' y (al menos para mí) es el mejor trabajo que hemos hecho hasta ahora. Methexy es un disco que incluye todas las cosas que apoyamos como banda. Música explosiva, atmósfera intensa, composiciones multiacodadas y producción de calidad superior. Ha estado consiguiendo unos apoyos realmente buenos en el extranjero y esto abrió las puertas para la banda para tocar fuera de Grecia.

¿Qué método de trabajo tenéis en este momento para componer vuestra música?

Realmente no tenemos un método específico de hacer la música. Adivino que la mejor forma de probar cualquiera de nuestras canciones es delante de la gente. Esta es la manera en la que una canción cobra vida y si funciona en el escenario podría funcionar en el estudio también. Hacemos nuestra propia música, pero ninguno de nosotros puede hacer la música Palyrria solo. Es sólo cuando nosotros cuatro podemos alcanzar el 'sonido Palyrria'. No sé, a veces siento que el nacimiento de una melodía es un misterio como el nacimiento de un niño.

El VideoClip II: Searching de Julia Claire/Sirisat & Carles Reig OHM Spirit Sound

2007-04-05T11:12:00.000+02:00

"Conocí a Carles y Julia a través de Priscilla Hernández, quien muy gentilmente me puso en contacto con los dos artistas al saber que tenían intención de rodar un vídeo musical. Tuvimos varias reuniones y de este modo fuimos dando forma al proyecto final que tendríamos en común.
¿Qué debía aparecer y cómo? La respuesta a esas dos cuestiones me vino en forma de “flash” un día paseando por el Parque Güell de Barcelona mientras iba escuchando el tema en mi MP3. Supe al instante que el eje central del vídeo tendría que ser la figura de Julia en toda su belleza y esplendor.
De este modo, y en la línea del mensaje de la letra de la canción, tuve que idear cómo representar la dualidad entre la luz y la oscuridad de la manera más elegante posible. Tras varias reflexiones, pude sacar en claro cinco elementos fundamentales que debían de aparecer en la obra. El primero, un bosque repleto de magia, de carácter onírico, que ejemplificara de manera gráfica el frío y la oscuridad en la Tierra. El segundo y antónimo del primero, un paraje lleno de luz donde poder potenciar el valor de las palabras. El tercero, la danza. Julia tenía que convertirse en la propia música a través de sus movimientos. En cuarto lugar, un grupo de jóvenes seguidores de la paz y del mensaje universal en una localización clásica y llena de espiritualidad como fue el Parque de la Ciutadella de Barcelona. Y por último, y no por ello menos importante, la presencia del rey de las aves: el águila imperial, quien expresaría de manera connotativa la libertad, la atemporalidad y la fuerza vital interior.
Una vez planificados dichos elementos y plasmados en un Storyboard, tuvo lugar el rodaje. Estuvimos durante un día grabando hasta llegar a las 22h de la noche, hora en la que tuve el placer de exclamar “¡Ya lo tenemos!”.
Una vez finalizado el rodaje, dediqué varios días a la edición y montaje digital. Y así, llegó el instante en el que pude afirmar que el vídeo ya estaba finalizado y listo para ser disfrutado por el gran público.
Estoy muy satisfecho del resultado y desde luego, ha sido para mí un verdadero placer poder trabajar con estas magníficas personas." Carlos De Cozar (Director)

Un Instrumento: La Voz

2007-03-25T23:33:00.000+02:00

"La voz como instrumento musical, es maravillosa puès a través de la voz se pueden expresar emociones y sentimientos sin necesidad de cantar con palabras, sino simplemente con sonidos simples como UUUhh o aaaahh.Todo depende de la manera como se interprete la melodia vocal. Además la voz humana tiene muchas posibilidades de producir sonidos que van desde lo gutural, (cerrando la garganta) lo nasal (concentrando el aire en la cavidad al rededor de la nariz), el canto operático, (abriendo toda la garganta y apoyando el aire con el diafragma) etc...Además existen otras técnicas de producir sonidos enarmónicos, ( como los monjes del Tibet) simplemente concentrandose en las diferentes posiciones en que se puede abrir y cerrar la garganta..En fin, ya sea con letra o sin letra, la voz en el canto puede sugerir desde un susurro, un gemido hasta un grito!" Alquimia

El Sello Discográfico II: Falcatruada

2007-03-06T13:15:00.000+01:00

¿Cuándo y como nace Falcatruada?

Falcatruada nace oficialmente en abril de 2003 en Lugo, a partir de una idea que los promotores llevábamos "ensayando" en nuestros lugares de origen (Arteixo y A Coruña) desde varios meses atrás: crear una plataforma de servicios para grupos musicales que sirviese como estructura de apoyo a los músicos emergentes en Galicia. Esta idea y el posterior proyecto recibieron varios premios por su innovación empresarial (Universidade de Santiago de Compostela, UNIEMPRENDE, Fundación Confederación Empresarios Lucenses, Fundación Unha Galicia Moderna de A Coruña, finalistas Premios EGANET 2005...) Así, y con el asesoramiento empresarial de la Universidad de Santiago de Compostela (especialmente de la Fundación CEL, donde la empresa desarrolló su actividad durante los primeros meses), el proyecto comenzó a dar sus primeros pasos. Actualmente, Falcatruada imaxe e música está instalada en la ciudad de A Coruña y trabaja en diferentes proyectos, que podéis conocer en nuestra web www.falcatruada.com, con el objetivo de crear una sólida estructura empresarial de apoyo a la música en Galicia.

¿Por qué este nombre?

No hay ninguna razón especial, es de estos proyectos que empiezas con mucha ilusión y en los que alguien dice "podemos hacer algo alrededor de la música y mejorar la situación", luego surge un nombre y sólo al final alguien se pregunta "¿y ahora que hacemos?", teníamos veinte años y muchas ganas de hacer cosas. Falcatruada en gallego significa travesura, y por nuestra edad y por la locura que suponía el proyecto (montar un sello en el 2003) nos pareció un buen nombre.

¿Qué música publicais?

Todos los estilos, aunque como sello estamos trabajando especialmente en proyectos de World Music en galego, que son los que mejor podemos exportar.

Dentro del estilo Nuevas Músicas/Folk ¿Qué producciones teneis?

Nordestin@s, un proyecto donde participan el pianista de jazz Abe Rábade y las cantantes y compositoras Ugia Pedreira (Chouteira, Marful) y Guadi Galego (Berrogüetto, Espido). Avelaíña, una nueva formación pontevedresa. Y ya en el terreno de la música mestiza, Lamatumbá, pura fiesta gallega.

¿Cuál es la filosofia de Falcatruada?

Asentar cada paso que damos y conjugar nuestro compromiso con la música gallega con una clara ambición comercial.

*Una Charla con Sergio (En Las Fotos, A La Izquierda)

El Concierto II: Alidan

2007-02-27T11:27:00.000+01:00

"Después de haber pasado los tres últimos meses preparando cada uno de los ocho temas que voy a interpretar en directo (estructuras, sonidos, arpegios programados, efectos, etc...) llegó el 10 de Febrero 2007, día de la presentación de mi nuevo proyecto musical que lleva por título “Into the Spiral”.
Son las 15h00 y después de haber hecho un ensayo general en mi estudio, me dispongo a desmontar todo el equipo para cargarlo en el coche, apenas he probado un para de bocados, unos viejos conocidos han venido a visitarme una vez más (los señores Nervios) , con la ayuda de mi pareja terminamos de cargar todo y partimos hacia la sala Fax, una sala pequeña pero que tiene el detalle de ofrecer amablemente sus instalaciones a todo tipo de músicos para que puedan dar sus conciertos. Aunque llegamos a la sala a las 19h 00 no es hasta las 20h15 que aparece el encargado, que se dispone a abrir el local.
Junto a Epakta (cronista y fotógrafo del magazine electrónico “Gtrsynth” ) descargamos y montamos los instrumentos que consiste en tres sintetizadores, un ordenador, un monitor, una mesa de mezclas, los diferentes soportes para cada aparato y todo el cableado midi y audio, teclado y ratón.
Alas 21h00 comienzo a realizar las pruebas de sonido, el concierto está anunciado para las 21h30, aunque apresurado, todo está a punto. Empiezan a entrar los primeros espectadores, algo que me llena de emoción, pues sé que algunos de ellos se han desplazado expresamente desde Vigo, Burgos, Barcelona, Luarca (Asturias), Castellón, Ciudad Real y de Madrid y alrededores, cosa que agradezco de corazón.
Las charlas, presentaciones, saludos retrasan el inicio del evento, de modo que hacia las 22h00 doy comienzo interpretando un pequeña “intro” que en realidad es una nueva idea para un futuro tema, para acto seguido explicar a los asistentes en qué consiste el proyecto “Into the Spiral” que es una denuncia por la vergonzosa situación que estamos causando y consintiendo todos, en cuanto a guerras sostenidas en el tiempo por intereses económicos y el control del petróleo, extrema contaminación medioambiental, aniquilación de los recursos naturales, el alto nivel de degradación del ser humano, etc... y ensalzar las formas que utiliza la Naturaleza para expresarse y de modo altruista posibilitarnos la Vida.

El primer tema es “Spiral Dance” inspirado en la forma espiral que encontramos en numerosos aspectos de la vida, tanto en el macrocosmos ( las galaxias,el movimiento de los sistemas solares, los huracanes, ...) como en el microcosmos ( el ADN, telas de araña, estructuras de proteínas…) la vida avanza en espiral de nosotros depende crear la siguiente “vuelta“...
“Sperule” nos lleva a descubrir la forma esférica. Forma utilizada por la naturaleza para proteger el proceso de la vida que está por desarollar, desgraciadamente los humanos estamos dañando el escudo esférico que nos protege a todos los seres vivos del planeta.
“Space Navigator” es un viaje al espacio, alrededor de nuestro “planeta- hogar” para conscienciarnos de lo insignificante y frágil que es nuestro diminuto punto azul en la inmensidad del universo, y sin embargo lo imprescindible y necesaria que es su existencia para que la humanidad perviva.
“Humanoid”, la tecnología avanza imparable, el futuro hombre-máquina es ya una posible realidad, gracias a la nanotecnología las enfermedades son superadas antes de iniciarse, toda la información y conocimiento es adquirido en el acto, toda nuestra tecnología forma parte del organismo del nuevo hombre ...
Podría ser ciencia- ficción, la cuestión es que podría existir y de ser así ¿cometería nuestros mismos errores?¿ sería capaz de autodestruise como lo estamos haciendo nosotros?
“Utopía” llamamos así a la exposición de una sociedad ideal, a un futuro mejor, dando a entender que no es más que una ilusión inalcanzable y sin embargo la utopía es el único futuro posible.
“Climatic Change” el cambio climático es un tema de plena actualidad para los medios de comunicación y los políticos, para los que llevamos más de 20 años denunciando las fatales consecuencias de nuestro modo de vida, no es más que la triste confirmación de que las cosas debemos cambiarlas desde nuestra actitud personal y no esperar a que los “poderes” actúen, ya que todos ellos deben obediencia ciega al dios Dinero, y éste es el despiadado dios de tan solo un puñado de humanos que no desean compartir sus riquezas para el bien de la humanidad y que se mantiene a cualquier precio.
“Hydroform”, el Agua, fuente de vida. En un vaso de agua que representase toda el agua existente en el planeta, tan solo una gota sería el equivalente a la cantidad de agua dulce, potable, de la que disponemos para beber. Nos permitimos el estúpido lujo de contaminar y envenenar media gota ...
“Every Tear”, está dedicado a cada lágrima vertida, el hombre es el único ser capaz de aniquilarse a sí mismo, sin palabras.
Aunque la temática es seria y triste, todas las composiciones expresan mediante sus ritmos y sonidos, sensaciones optimistas, comunicando que todo tiene arreglo y que aún estamos a tiempo de cambiar el rumbo, un mundo mejor es posible.
La actitud del público fue positiva y a la vez sorprendida, pues no esperaban escuchar tantas secuencias tan rítmicas siendo Alidan un músico proveniente de ambientes sonoros más relajantes.
Mi experiencia fue agradable y enriquecedora, pues me sirve para afrontar con más fuerza mi próximo concierto que tendrá lugar en Barcelona el próximo día 25 de Mayo en el “Ciclo de Música para la Biodiversidad” con una conferencia previa sobre “El Calentamiento Global” a cargo de Greenpeace.
¡¡ Hasta entonces !!! Alidan

El Proyecto: Los Puntos Cardinales De Joaquín Taboada

2007-02-12T15:08:00.000+01:00

"Bueno, mi proyecto de concierto "Puntos Cardinales" surge como necesidad de "teatralizar" el directo y dándole vueltas al asunto encontré que a lo largo del tiempo me he "dejado llevar" a la hora de componer por influencias de todo tipo de música y de muy distinta procedencia. Así por ejemplo, mi formación clásica de conservatorio evidentemente va a reflejar la influencia de la tradición occidental de la música clásica. Pero también y seguramente por mi contacto con la música de la calle y habiendo tenido la suerte de colaborar con muchas formaciones de musica popular, ya desde pequeño estoy influido notablemente por la música de tradición folklórica da navarra y el Pais Vasco. Y por supuesto, también a través de mis composiciones se han filtrado todas las influencias de toda la música que a lo largo del tiempo he escuchado: música española, árabe, africana, oriental, mediterranea...

Todo esto lo he plasmado en este proyecto de concierto dividiendo los temas en 4 puntos cardinales: Norte, Sur, Oriente, Occidente. Hemos tenido la suerte de que este proyecto ha sido muy bien acogido por los responsables de cultura de Navarra, que de momento son los únicos programadores que saben "oficialmente" del proyecto, ya que, en espera del interés de una agencia de management - cosa dificil- me encargo yo mismo de la promoción y de momento no doy para mas...

Pero bueno, me siento mas que satisfecho con esta acogida tan estupenda, ya que próximamente vamos a dar varios conciertos en Navarra y espero que salgan algunos mas." Joaquín Taboada (en la foto en los teclados)

+ Información:

Joaquín Taboada y su grupo Stultifera Navis (La nave de los locos) presentan en este concierto un viaje imaginario por los cuatro puntos cardinales de la música.

Norte, representado por la influencia celta ejercida en la cultura musical del País Vasco, Navarra, Galicia e Irlanda.
Sur, con toques de la música andalusí y del norte de África.
Oriente, recogiendo los aromas de Asia y el este europeo.
Occidente, la tradición musical mas cercana a la música clásica.

Todos los temas interpretados en este concierto son composiciones propias de Joaquín Taboada, recogidas en sus trabajos discográficos, exceptuando algunas adaptaciones de temas populares.

Stultifera Navis es un grupo de músicos con gran experiencia en el directo, de las mas variadas tendencias que van de la música clásica a la popular y étnica, dando al conjunto una diversidad tímbrica peculiar (con mas de veinte instrumentos en el escenario) y demostrando así que la fusión entre estilos musicales puede dar lugar a un resultado final de una solidez extraordinaria.

El concierto Puntos Cardinales incluye también varias performances de Ana Belén García, bailarina especializada en danza tradicional africana, afrobrasileña, afrocubana, etc, que será con sus bailes el contrapunto visual a la música de Stultifera Navis.

Stultifera Navis lo forman:

Joaquín Taboada: Piano, Sintetizadores y Acordeón

Patxi Mendinueta: Violonchelo

Mercedes Soto: Voz Soprano

Iñaki Ainzua: Teclados y Acordeón

Iñigo Osés: Oboe, Flautas y Percusión

Vicente Trincado: Guitarras, Laud, Trombón

Carlos Urroz: Percusiones

La Colaboración: Pepe Acevedo Y Gandalf

2007-02-04T08:42:00.000+01:00

"Bueno, lo de hacer un tema a medias con Gandalf, tengo que reconocer que no fue idea mia. Mas bien se le ocurrió a olon (Manuel Lemos), mientras sonaba un tema mio en la emisora "En El Aire". Por el chat, empezó a comentar, medio en serio, medio en broma, que yo era el "Gandalf español". De momento la cosa quedó ahí, como una mera broma. Pero en los siguientes programas, se fué fraguando la idea de ¿porque no?. Según olon, Gandalf es una persona muy amable y por probar...Así que consiguió mi consentimiento y le propuso la idea mientras le enviaba dos temas mios ya acabados, a ver que le parecian. Al poco tiempo, contestó al mail diciendo que le habian gustado mucho. Y que no le desagradaba la idea, pero logicamente, antes queria oir el tema en cuestión. Así que me dispuse a componer un tema que estuviera a la altura de la situación. Estuve haciendo varios bocetos, peeero ninguno acababa de convencerme. En mi caso no es ponerme a componer por las buenas, necesito sentir "algo".Y afortunadamente ese algo llegó. Una vez con la idea en la
cabeza, la pasé al secuenciador para que mis colaboradores habituales tuvieran referencia.

Una vez ahi, fué un poco de locos y en una semana tuve listo el tema. Mi teclista, Dani Aguayo y que firma en NM como danner, vino un martes y grabó todos los teclados de base. Algunos de los "adornos" lo grabé yo posteriormente. Pues ese viernes, vino Toni Sánchez y grabó el bajo del tema. El sábado hicimos doblete: Albert Guillen grabó las guitarras acústicas, y Victor Fernández la uillean pipe y el low whistle. Así que el domingo, pude grabar la guitarra solista que figura al final del tema. Después de mezclarla, se la envié a olon que se la hizo llegar a Gandalf. La oyó y estuvo de acuerdo en participar en el proyecto, pero pedia mezclarla y producirla él. Le hice llegar las pistas a su estudio de Austria y se demoró algo la cosa, porque él estaba acabando de grabar su nuevo cd. Pero este enero y casi como regalo de cumpleaños, me llegó por mediación de olon, el mp3 con el tema acabado. Habia grabado un solo de teclado, varios pads, percusiones, mandolina y
otra guitarra solista de acústica, poniendo su sello y una calidad increible en las mezclas. Así que desde aqui, quiero darle las gracias a olon, por darme muchas collejas cuando yo dudaba del asunto y tambien a Heinz (nombre real de Gandalf), por su explendido trabajo. Como dice olon, el tema tendria que titularse "con dos miradas" la de Gandalf y la mía." Pepe Acevedo

El Programa De Radio II: A Última Fronteira

2007-01-29T21:21:00.000+01:00

“Ata eiquí chega o home… dende eiquí seguen os soños…”, este es nuestro lema desde el comienzo, “LOS SUEÑOS”, hacer sentir que existe algo más en este mundo de lo que nos quieren hacer creer y ese también es nuestro objetivo, soñar y es que “A Ultima Fronteira” es un sueño hecho realidad. El objetivo, mostrar nuestras inquietudes musicales, enseñar a aquellos que nos quieran escuchar que en la música hay algo más y estar en contacto con los músicos, con los creadores de ese arte que nos hace soñar y que en demasiadas ocasiones se encumbran cuando son seres humanos como nosotros, con sus virtudes y con sus defectos.
“A Ultima Fronteira” me ha permitido soñar despierto, estar en contacto con gente que hasta ese momento solo era un sueño, conocer a personas maravillosas que me enseñan, me muestran nuevos caminos y que sobre todo, me permiten seguir “soñando”. Hasta el momento se ha dado un pequeño paso, pequeño para mi y me gustaría que un gran paso para la humanidad, como dijo Neil Armstrong cuando puso su pie sobre la Luna, eso también me gustaría a mi, ¿pero todo esto no es un sueño?, así que sigamos soñando. La ilusión de todas las semanas estar esperando que llegue la hora de emitir, de sentarse detrás de un micrófono, subir los controles y “voilá”, tú voz resuena a través de las ondas, la música que te gusta sale al aire para que todo el que quiera te pueda escuchar, eso no tiene precio. Este proyecto es un sueño, un sueño hecho realidad, pero el sueño todavía no se ha terminado, espero no despertarme nunca de él para seguir soñando, día tras día, semana tras semana, mes tras mes, año tras año, y es que los sueños nunca se pueden terminar. Quiero seguir soñando, pero sobre todo, quiero que los demás también sueñen, así que, nunca os olvidéis… “hasta aquí llega el hombre… desde aquí siguen los sueños” Roberto Vales

"Un buen dia de Santos Inocentes de hace unos cuantos años levantaba vuelo, muy en serio, la nave de A Última Fronteira. Al mando: Roberto Vales (con jersey) y Manuel Lemos (camiseta amarilla). Misión: disfrutar y, al mismo tiempo, dar a conocer las diferentes músicas alternativas que purulan por nuestro planeta. Primero fué en Radio Piratona (Vigo), después en Radio Onda Nada (Vigo) y en la actualidad es en Canal Tea (Ponteareas) y Radio En El Aire (el Espacio). Fueron, son y serán momentos maravillosos con especiales, entrevistas en directo, concursos...Los últimos 15 minutos de esas dos horas semanales las dedicábamos al cine, para lo cuál contábamos con nuestro amigo Roberto Freiria Lago. Devido a la petición de oyentes vimos la necesidad de que ese pequeño espacio de cine se convirtiera en un programa de una hora semanal ligado al nuestro y con el nombre de Cine Sen Fronteiras (ver en este mismo blog un reportaje), dándole a Roberto Freiria la dirección completa aunque siguiendo nosotros colaborando. En momentos en los que Roberto no pudo estar al timón de Cine Sen Fronteiras lo condujo Jose Garcia (no nos olvidamos de ti). ¡Vuela con nosotros! Manuel Lemos

Ángel Illarramendi: El Más Grande De La Música Del Cine Español

2007-01-18T21:30:00.000+01:00

¿Cuándo y por qué empezó Angel Illarramendi en la música?

Desde que me conozco he estado ligado a la música, y ya desde muy niño quería ser músico. Esto también favorecía el que en mi casa había un rico ambiente musical

En 1984 compones tu primera banda sonora para la película Tasio de Montxo Armendáriz. ¿Qué recuerdas de tu primera banda sonora?

Recuerdo como una experiencia apasionante. Tuve la suerte de participar por primera vez en una gran película como fue Tasio.
Recuerdo que tenía muy claro la música que tenia que componer, había entrado de lleno en el tempo de la película y me propuse crear una atmósfera flotante.
Al mismo tiempo me encontraba por primera vez en el cine desde dentro, con todo lo que ello conlleva de experiencia a la hora de sincronizar la música con las imágenes y atender a las distintas secuencias y sus necesidades

Has trabajado con multitud de directores pero tienes una especial relación con Gracia Querejeta. ¿Cómo nació esta relación?

A Gracia le conocí por mediación de su padre Elías Querejeta, que me ofreció componer la música para el documental "Viaje del agua". Luego vinieron sus películas y la verdad es que ha sido y está siendo una relación hermosa y fructífera.

Has hecho música no solo para cine sino también para teatro,documentales, ópera de cámara...¿En que estilo te encuentras más cómodo? ¿Existen muchas diferencias a la hora de afrontar cada campo?

Alternar distintos géneros es lo que más me gusta. Siempre estoy escribiendo además de música de cine, música para concierto. Esto hace que me sienta cómodo y disfrute haciendo cosas distintas.
Cada disciplina musical tiene sus características y sus formas, sus similitudes y sus diferencias; pero lo importante es abordar cada proyecto con pasión. Y sobre todo, lo más importante, estar inspirado.

¿Qué importancia tiene el orquestador para un compositor de bandas sonoras?

Yo me considero un compositor, no solo de bandas sonoras, y un compositor no debe necesitar orquestadores.
La orquestación es la manera de andar de un compositor, su manera de moverse, y la orquestación dice mucho de él. Para mi es muy importante vivir la génesis y desarrollo de cada instrumento, sus fraseos, sus combinaciones, controlar la densidad, la ligereza, la textura de la orquesta, la fuerza, todo el equilibrio, además de todos los matices

Yoyes es una pelicula de 1999 que trata la vida de una militante de ETA que quiere dejarlo. Su música, personalmente, me parece maravillosa. ¿Cómo ha sido en particular el trabajo para esta banda sonora?

Tuve desde el principio una relación muy estrecha con Helena Taberna, incluso antes de rodar la película, ya sobre guión, compuse el tema de Irati después de una conversación con Helena de cómo abordar la parte romántica del personaje con su pareja.
La clave para el resto de la música fue entrar en el personaje, en su intimidad y en sus vivencias; en sus raíces vascas y en sus circunstancias dramáticas.
El final lo desarrollé como una tragedia griega, el fatum inevitable, el encuentro con la muerte.

Muchos compositores se quejan que cada vez tienen menos tiempo para crear la música para las películas. ¿Qué hay de real o falso en esto?

Es cierto que en el cine hay que saber trabajar rápido, pero tampoco es para tanto, por lo menos no en mi caso. Alguna vez me ha ocurrido tener que aceptar componer en un tiempo récord porque el proyecto me interesaba mucho, pero no es lo habitual. Siempre es conveniente negociar desde el principio un plazo razonable con el director y los productores; haciendo las cosas con tiempo el resultado siempre es mejor y esto es bueno para todos.

Has sido nominado y has ganado muchos premios (como los Goya). ¿Cuál te ha llenado de mayor satisfación?

Los premios, si vienen, bienvenidos sean; pero no es algo que me preocupe demasiado; no dejo que me afecten ni para bien ni para mal, puesto que es algo que no depende de mí.

¿Alguna vez has rechazado el hacer un score por no sentirte atraido por la historia de la película?

Alguna vez. Y alguna otra también por falta de tiempo al coincidir que estoy trabajando en otro proyecto.

¿Cómo ves a los nuevos compositores?

Me parece que hay unos cuantos y con muchas ganas. Por suerte, el cine está vivo y hay una fuerte dinámica en todo lo que gira a su alrededor.

(c) 2.006 Manuel Lemos Muradás

Instrumentos Tradicionales II: El Didgeridoo

2007-01-11T00:49:00.000+01:00

"Es el instrumento de los aborígenes australianos con más de 20.00 años de historia.

Es un regalo de la naturaleza pues es ella misma quien lo fabrica: son troncos de eucalipto vaciados naturalmete por las termitas.Se cortan ,se les quita la corteza,se pintan y se soplan.Miden entre metro - metro y medio ...

Al soplarlos se utiliza la técnica de respiración circular la cual permite estar soplando ininterrumpidamente este instrumento obteniendo así un sonido grave y constante." Iban Nikolai

El Programa De Radio: Cine Sen Fronteiras (Hermano De A Última Fronteira)

2007-01-07T14:09:00.000+01:00

"A dios pongo por testigo que nunca dejaré de oir “Cine sen fronteiras”

Hace muchos muchos muchos años, en una galaxia muy lejana, no no no, esto no empezaba asi, he visto cosas que no veriais, no no no esto no es el final si no el principio, en un lugar de cuyo nombre no quiero acordarme (Radio Piratona), se gestó un programa de radio entre luces que no habia, ruidos que no se oian, el camión de la basura, el pizzero y los residentes ilegales. Con esos ingredientes más un poco de cine y la ayuda de dos grandes amigos (Roberto y Manolo de “A última fronteira”) empezo la aventura de realizar un programa de radio sobre cine.

Gooooooooooooood morning, Cine sen fronteirasssssssssssss

De forma desenfadada, amena y con un punto de locura, continuamos nuestra trayectoria por Onda Nada, desarrollando la estructura del programa y mejorándola (poniendo musica de bandas sonoras, haciendo especiales, etc).

Me encanta el olor de Cine sen fronteiras por las mañanas, huele a victoria

Cine sen fronteiras se consolida en Radio Canal Tea, emitiéndose los sábados de 7 a 8 (antes de “ a última fronteira”) como un programa donde tiene cabida todo lo relacionado con el cine y el humor (trailers de películas, noticias sobre televisión, etc).

Como diria Bogart, siempre nos quedara “Cine sen fronteiras”

¿Qué nos deparara el futuro?, si pudiéramos hacer como Michael J. Fox en Regreso al futuro, nos infiltraríamos en una emisora de alcance regional o incluso nacional e intentariamos tener al menos un poquito del éxito que tienen mis programas favoritos de la radio (La rosa de los vientos, Milenio 3, El cine de lo que yo te diga y por supuesto Pepe, su jamón y Carrusel).

Que no muera la radio, que el cine siga vivo y que la audiencia elija los dos programas (Cine sen fronteiras y A última fronteira) como alternativa en las tardes de los sábados.

Eso es to, eso es to, eso es todo amigosssssssssss" Roberto Freiria Lago

La Cita: Womex Sevilla 2.006 (Según el sello de la República Checa Indies Records)

2007-01-03T20:54:00.000+01:00

La impresión no ha sido muy favorable.

Cosas buenas:

1.Hemos percibido un gran interés sobre nuestros productos y hemos tenido unas reuniones muy interesantes.

2.La feria de muestras estuvo muy bien.

3.El recinto donde se celebró estaba muy bien.

Cosas malas:

1.La compañia de mensajeria nos trato muy mal: recibimos dos paquetes a mediados del WOMEX y otros dos ni siquiera los recibimos. No tuvimos nuestra recopilación especial para el WOMEX, muy mal!

2.Mal sonido.

3.Malos bares.

Premysl

La Música: Manos e Instrumentos (En Barcelona)

2006-10-09T23:22:00.000+02:00

Héctor

Priscilla

Pepe

Carles

Carles

El Resultado: Unas casi 3 horas de arte musical improvisado en casa de Carles y Cristina.

Fotos: Manuel Lemos Muradás (c) 2.006